Ці вражаючі та загалом знакові картини відомих художників назавжди змінили світ мистецтва.

Сучасне мистецтво зародилося в середині 1800-х років, коли поява фотографії, здавалося, зробила живопис застарілим. Якщо можна просто сфотографувати щось, навіщо малювати чи розфарбовувати? Таким чином, художникам довелося заново винайти мистецтво, зробивши його особистішим, імпресіоністичним, експресіоністським, абстрактним, деконструктивним чи мінімалістичним. Фактично, мистецтво стало тим, що його назвав художник. Або, іншими словами, витвір мистецтва був просто відображенням самого художника.

А тепер почнемо зворотний відлік 65 найбільших картин сучасного мистецтва!

Починаємо ТОП 65 - Сучасний живопис

65. Місто піднімається (1910) Умберто Боччоні

Італійський художник і скульптор Умберто Боччоні був важливою фігурою у русі футуризму на початку ХХ століття в Європі. Футуризм, що зображує оптимізм щодо сучасності, був попередником багатьох інших художніх груп: ар-деко, конструктивізму, сюрреалізму та дадаїзму. Убитий у 33 роки під час Першої світової війни, Боччоні, тим не менш, створив понад 100 творів мистецтва, одним з яких була «Місто височіє», робота, яка, як правило, була прийнята публікою та швидко продана за 4000 лір. Це велике полотно (два на три метри) вважається першим твором Боччоні у стилі футуризму, і його можна побачити у Музеї сучасного мистецтва Метрополітен у Нью-Йорку.

Продовжує ТОП сучасний живопис:

64. Неприйнятний №1 (2013) Френк Баффало Хайд

Корінний американець Френк Баффало Хайд виріс у резервації Онондага в Нью-Йорку, але він народився в Санта-Фе, Нью-Мексико, де він навчався в Інституті мистецтв американських індіанців. Хайд прагне створювати витвори мистецтва, які висвітлюють життя корінних американців, а не підтримують негативні стереотипи, які люди можуть плекати щодо корінних американців, і часто роблять це в гумористичній манері. Картина Хайда «Неприйнятний № 1», здається, зображує симпатичну білу жінку зі світлими кучерями, яка намагається здаватися корінною американкою, але нікого не дурить!

Продовжує ТОП сучасний живопис:

63. Неділя, Поль Сіньяк.

Поль Сіньяк розпочав свою творчу кар'єру як шанувальник «ставкових» картин Клода Моне. Потім у 1880-х він став прихильником пуантилізму чи дивізіонізму разом із такими художниками, як Жорж Сера та Анрі Едмон-Крос; він також став добрим другом Вінсента Ван Гога, з яким він писав пейзажі та кафе. Картина «Неділя» є яскравим прикладом неоімпресіоністської творчості Сіньяка. Потім Сіньяк перейшов у фовізм на початку 1900-х років і навіть купив одну з картин Матісса.

Продовжує ТОП сучасний живопис:

62. Блок (1978) Romare Bearden

Художник-афроамериканець Ромар Бірден народився у Шарлотті, Північна Кароліна, а виріс у Нью-Йорку, де закінчив Нью-Йоркський університет. Зрештою, Бірден став членом арт-групи The Spiral з Гарлема, яка прагнула висловити відповідальність афроамериканських художників під час руху за громадянські права (1954-1968). Картина Бірдена «Блок» демонструє його інтерес до абстрактного мистецтва, особливо у його картинах, карикатурах та колажах, присвячених соціальному протесту; Фактично, Бірдена називають «видатним колажистом країни».

61. Дорога до Риму (1979) Поль Дельво

Пол Дельво виявляє великий інтерес до класичної античності, особливо до Греції та Риму, і зображує центральну жінку як музу або богиню, що надихає, красиву, але недоступну для людського дотику жінку. Примітно, що композиція показує як сучасні, і класичні елементи, представляючи позачасової вигляд - техніку, яку Дельво часто використовував у картинах. Дехто вважає його сюрреалістом, Дельво сказав, що не підтримує теорії Зигмунда Фрейда і не включає психоаналітичних посилань у свої картини. У 2016 році "Дорога до Риму" була продана Sotheby's приватному колекціонеру за 2,6 мільйона доларів.

Продовжуємо ТОП сучасний живопис:

60. Час (2014) Лю Сяодун

Сяодун має ступінь магістра образотворчого мистецтва Центральної академії образотворчих мистецтв (CAFA) в Пекіні, Китай, і є професором кафедри живопису в CAFA. Сяодун пише роботи у стилі соцреалізму і перебуває під сильним впливом фігуративних картин Люсьєна Фрейда. Він часто малює лао бай син, простих людей, у повсякденних позах та ситуаціях. Чотири звичайні людини на картині «Час» здебільшого ігнорують молоду людину, яка лежить ниць на землі, осторонь, непритомна чи мертва. Чому вони не проводять розслідування та не з'ясовують, чи потрібна цій людині допомога? Можливо, вони не хочуть втручатися. Це повідомлення про життя у сучасному Китаї?

Продовжуємо ТОП сучасний живопис:

59. Дівчина з кошеням (1947) Люсьєн Фрейд.

Люсьєн Фрейд, який народився в Берліні, Німеччина, онук психоаналітика Зігмунда Фрейда, провів більшу частину свого життя в Лондоні, Англія, де він приєднався до Лондонської школи, групи художників-фігураторів, до якої входили Френсіс Бекон, Р. Б. Китай, Франк Ауербах і Леон Коссофф та ін Стиль живопису Фрейда часто вважається німецьким експресіонізмом або сюрреалізмом. На картині «Дівчина з кошеням» зображено одну з дружин Люсьєна Фрейда, художницю Кітті Гарман. Ця композиція демонструє подібність до ранніх нідерландських картин п'ятнадцятого століття. Дивно, але Люсьєн Фрейд міг стати батьком 40 дітей, але було ідентифіковано лише 14 таких дітей.

58. Впійманий на кордоні (1991) Пасіта Абад

Художниця філіппінсько-американського походження Пакіта Абад за своє життя створила близько 5000 творів мистецтва, і ці різні роботи можна знайти в більш ніж 70 країнах. Картина «Впіймані на кордоні» емоційно розповідає про імміграцію; На ньому зображена жінка-мігрантка, яка дивиться з-за ґрат в'язниці. Для цієї роботи Абад використовував техніку, відому як трапунто, при якій полотно натягується на стьобану поверхню, створюючи ефект піднесеності. Ув'язнену жінку оточують дзеркала, що відображають образи глядачів.

Продовжуємо ТОП сучасний живопис:

57. Прометей (1930) Хосе Клементе Ороско

Натхненний гравюрами сатирика Хосе Гваделупе Посада Ороско допоміг встановити мексиканський ренесанс фресок у 1920-х роках. З 1922 по 1948 рік Ороско малював фрески по всій Мексиці та США. Ороско любив зображати сцени людських страждань, хоча він просував соціальні та політичні причини бідних фермерів та робітників нижчого класу. Загалом його картини були похмурими та песимістичними та показували криваві втрати соціальних змін у Мексиці; він також був критиком мексиканської революції (1910-1920), показуючи її трагедію; та його картини часто звинувачують у християнській іконографії. Написаний а-ля фреска в їдальні коледжу Помона в Каліфорнії, Прометей вважається першою сучасною фрескою, написаною США.

Продовжуємо ТОП сучасний живопис:

56. Гімн із Посейдона (2016) Арсен Савадов.

Художник, художник з інсталяції та перформансів, а також відомий фотограф-концептуаліст Арсен Савадов живе у Києві, Україна, але також проводить час у Нью-Йорку. Вірменин за походженням, Савадов вивчав живопис у Державному художньому училищі ім. Шевченка та закінчив Київський художній інститут. З початку 1990-х Савадов виставляє свої роботи по всьому світу. Картина «Гімн із Посейдона» є яскравим прикладом здатності Савадова створювати разючі картини сюрреалізму, неопоп-арту чи фантастичного реалізму.

Продовжуємо ТОП сучасний живопис:

55. Хаф-Доум у національному парку Йосеміті. Автор Грегорі Кондос.

Грегорі Кондос грецького походження навчався у художній школі в Сакраменто та Лос-Анджелесі, штат Каліфорнія, та викладав у міському коледжі Сакраменто з 1956 по 1982 рік. У 1990 році Кондос працював художником у національному парку Йосеміті, де жив протягом багатьох років. літо. Імовірно, Кондос намалював Хаф-Доум у національному парку Йосеміті у 1990-х роках. Кондос сказав, що художник Поль Сезанн надихнув його малювати природу, зокрема, як малювати блюз, як він це висловився. "Я бос блюзу". А про живопис у цілому він заявив: «Художник малює; Художник намагається робити все, навіть просто нанизуючи намистинки. Я не художник, я художник».

Продовжуємо ТОП сучасний живопис:

54. Портрет актриси (1948) Дієго Рівера

Відомий мексиканський художник-монументаліст Дієго Рівера також писав твори кубізму та постімпресіонізму. У 1929 році Рівера одружився з художницею Фрідою Кало і залишався її чоловіком до 1955 року, коли вона померла (Рівера помер у 1957 році). Обидва художники часто включали зображення одне одного у свої твори. Однак «Портрет актриси», схоже, не схожий на Фріду Кало, хоча це може бути портрет актриси Полет Годдар, з якою Рівера товаришував у 1940-х; Фактично, Рівера зробив багато портретів жінок у першій половині ХХ століття. Цікаво, що в цій композиції фігурує жінка, до якої можна ставитись з обережністю!

53. Коричнева річка III, Уейн Тібо.

Картини Уейна Тібо часто вважають поп-артом, хоча він не називає себе поп-артистом; він очорнює двовимірну роботу таких художників, як Енді Уорхол. Тібо (вимовляється як ти-бо), що виріс переважно в північній Каліфорнії і викладав у Каліфорнійському університеті в Девісі, також відомий своїм використанням гіперреалізму у зображеннях звичайних предметів, таких як випічка, морозиво, косметика та одяг. . Він також писав пейзажі Центральної долини Каліфорнії, наприклад, Коричнева річка III. Він також пише міські краєвиди Сан-Франциско, Каліфорнія; Park Place (1993) є яскравим прикладом фірмового використання Тібо важкого пігменту, яскравих кольорів, перебільшеної перспективи та помітних тіней.

52. Квартира (1943) Джейкоб Лоуренс

Серед найвідоміших афроамериканських художників ХХ століття Джейкоб Лоуренс створив безліч композицій із життя Гарлема у верхньому Манхеттені, Нью-Йорку, Нью-Йорку. Називаючи свій стиль «динамічний кубізм» і порівнюючи його роботи зі стилем Анрі Матісса, Лоуренс створив безліч розповідей про історію афроамериканців та історичних особистостей, у тому числі серію з 60 панелей «Міграція» (1940-1941), в якій зображена африканська діаспора. Американці з півдня північ у США 1910-ті роки. За своє життя Лоуренс отримав безліч нагород, у тому числі Національну медаль мистецтв США у 1990 році. Протягом 16 років він викладав у Вашингтонському університеті.

Продовжуємо ТОП сучасний живопис:

51. Терпіння (1942) Жорж Шлюб

На початку 1900-х років, поряд із сучасними художниками, такими як Пабло Пікассо, француз Жорж Брак широко відомий як основоположник кубізму – стилю живопису, в якому одночасно використовується перспектива та ефекти світла на геометричні форми, які фрагментовані чи деконструйовані у куби. та інші форми, створюючи тривимірні об'єкти всіх видів, включаючи людей. На той момент багато картин Шлюбу були практично не відрізняються від картин Пікассо! У моделі Patience втілений кубістичний стиль Шлюбу, що постійно розвивається, демонструє більш невимушене використання геометричних форм, яскравих кольорів, а також популярних на той час елементів сюрреалізму.

Продовжуємо ТОП сучасний живопис:

50. Відновлені тишею, автор: Шонто Бегай.

Нащадок племені Діне і народився в резервації навахо в Аризоні, Шонто Бегай - щоб впоратися з пригніченням необхідності асимілювати американські ідеали, культуру та вірування під час навчання в школі-інтернаті - почав малювати та малювати, щоб підтримувати та виражати свою культурну приналежність. особистість. Тим не менш, Бегей продовжив свою західну освіту, здобувши ступінь бакалавра в Каліфорнійському коледжі мистецтв та ремесел. Пейзажна картина Бігая "Reclaimed by Silence" показує його любов і захоплення всіма способами життя корінних американців на південному заході Америки. Стиль Бегея порівнюють із неоімпресіонізмом Вінсента Ван Гога. Дехто може помітити зображення неба Бегеєм, на яке, здається, вплинула «Зоряна ніч» Ван Гога (1889).

49. Abstrakes Bild No. 635 (1987) Герхард Ріхтер

Німецький художник Герхард Ріхтер почав працювати у стилі соціалістичного реалізму у 1950-х роках, поки не уникнув комунізму Східної Німеччини та не переїхав до Західної Німеччини, де почав створювати твори фотореалізму. Ріхтер проектував фотографію на полотно, а потім зафарбовував частину фотографії, часто додаючи ефект розмиття за допомогою м'якого пензля, створюючи сюрреалістичний вигляд. Але в 1970-х і 80-х роках живопис Ріхтера став набагато абстрактнішим. Abstrakes Bild № 635 – це приклад майстерності Ріхтера у додаванні та видаленні фарби на полотнах, створенні барвистих, текстурних композицій, з якими легко жити. У 2011 році, коли Ріхтера запитали, яка роль артиста в наші дні, він відповів: «Тепер це більша розвага. Ми розважаємо людей».

48. Остання битва Кастера (1899) Едгар Семюел Паксон

Американський прикордонний художник Едгар Семюел Паксон був художником-реалістом, який мандрував із Канзасу до Канади в середині-кінці 1800-х років; насправді, Паксон подорожував Монтаном, коли в червні 1876 відбулася битва при Літтл-Бігхорні. Після битви Паксон взяв інтерв'ю у індіанців, таких як Скажений Кінь, які брали участь у битві, а також у солдатів, які вперше відвідали Бігхорн. сцени битви. Паксону знадобилося 20 років, щоб завершити картину розміром шість на дев'ять футів "Останній рубіж Кастера". Цікаво, що стиль картини, особливо суб'єктивне зіставлення індіанців і солдатів з фіолетовими хмарами на небі, передбачає, що у Паксона вплинули роботи сучасних художників кінця ХІХ століття.

Продовжуємо ТОП сучасний живопис:

47. Збір сіна в Еранії (1901) Каміль Пісарро

Каміль Пісарро був піонером французького імпресіонізму та неоімпресіонізму; фактично, він був єдиним художником, який виставляв свої роботи на всіх виставках паризького імпресіонізму з 1874 до 1886 року. Більше того, він був батьком таких великих імпресіоністів, як Жорж Сера, Поль Сезанн, Вінсент Ван Гог та Поль Гоген. Історик мистецтва Джон Рьюард назвав його «деканом художників-імпресіоністів», тому що він був найстаршим у групі і мав приємний і привітний характер. «Збирання врожаю сіна в Еранії» демонструє схильність Піссарро малювати сільських людей, які виконують прості завдання. 1882 року П'єр Огюст Реніор назвав роботи Пісарро на той час «революційними». Hay Harvest підкреслює інтерес Пісарро до неоімпресіонізму, особливо його використання пуантилізму; Фактично, він був єдиним художником-імпресіоністом, який зрештою переключився на неоімпресіонізм.

Продовжуємо ТОП сучасний живопис:

46. ​​Гра в покер (1894) Кассіус Марцелл Кулідж.

Кассіус Кулідж народився в Антверпені, штат Нью-Йорк. Його батьки були квакерами-аболіціоністами. Кулідж, який не любив сільськогосподарську працю, пішов з полів у 1860-х роках і почав заробляти собі на життя, розфарбовуючи вивіски, ілюструвавши книги та створюючи карикатури для газет. Хоча Кулідж мав трохи художньої освіти, він був добре освічений. Потім, працюючи на карнавалах, він створив нові портрети у натуральну величину з комедійними елементами, які стали відомі як передні комічні плани. Гра в покер - одна з 16 у серії картин-календарів, створених Куліджем на початку 1900-х років. На всіх цих роботах зображено антропоморфних собак, які займаються людською діяльністю, наприклад, грою в покер. Кулідж приписують створення цього мотиву, який він також використовував для зображення собак, що грають в більярд. Примітно, що в 2015 році Poker Game було продано за 658 000 доларів.

45. Гола, що сидить на дивані (1917) Амедео Модільяні

Італійський художник і скульптор Амедео Модільяні, хоч і не був відомий протягом свого короткого життя (35 років на момент смерті в 1920 році), проте його стилізовані портрети та оголені тіла зрештою стали популярними посмертно. Працюючи в основному в Парижі, Франція, на початку 1900-х років, на малюнках Модільяні часто зображені чоловіки і жінки з подовженими головами та шиями, а іноді і з фігурами на повний зріст, що викликало глузування з боку критиків та шанувальників. У 1917 році Модільяні мала єдину в його житті персональну виставку, на якій він показав безліч оголених жінок, у тому числі «Оголена на дивані», що викликала фурор. На тій же виставці експонувалася Nu couché au coussin Bleu (1916), оголена натура, що лежала, продана в 2015 році за 170 мільйонів доларів.

44. Дощовий день, Бостон (1885) Чайльд Хассам

Чайлд Хассам був американським імпресіоністом, який спеціалізується на міських пейзажах, прибережних сценах, а пізніше і на оголених натурах на відкритому повітрі. Завжди плідний художник Хассам створив понад 3000 творів мистецтва за свої 75 років. На початку 1900-х років Хассам, рідко відчуваючи проблеми з продажем своїх робіт, продавав свої картини по 6000 доларів за штуку. Дощовий день у Бостоні демонструє інтерес Хассама до зйомки міських пейзажів з використанням полотна олією, а не акварелі, яка тоді продавалася краще. На жаль, до 1920-х і 30-х років роботи Хассама в стилі імпресіонізму часто вважалися застарілими порівняно з реалізмом таких художників, як Едвард Хоппер та Сальвадор Далі. Між іншим, Гассам відкинув такі художні напрями, як кубізм і сюрреалізм, назвавши їх «болваном-мистецтвом». У будь-якому випадку, через десятиліття після смерті Хассама в 1935 році, класичні роботи імпресіонізму повернулися і почали продавати за астрономічними цінами!

43. Водяні лілії та японський місток (1897 – 1899) Клод Моне.

Один із основоположників французького імпресіонізму Клод Моне також був одним із перших художників, які створили пленерні пейзажі. Цей тип живопису відбувається на відкритому повітрі, тому художник може використовувати сонячне світло та атмосферні ефекти, щоб зобразити об'єкти такими, якими вони насправді з'являються в природі у різну пору дня – чи у різну пору року, чи в різних погодних умовах, а не у тому вигляді, в якому вони можуть бути ідеалізовані або упереджені у студії. Використання флори саду та ставка у його резиденції у Живерні, Франція, Водяні лілії та Японський міст ілюструють деякі з кращих картин імпресіоністів Моне з 1880-х років до його смерті у 1926 році. Крім того, наприкінці 1800-х - на початку 1900-х років Моне побував у Середземному морі, де він намалював безліч відомих будівель, пам'яток та морських пейзажів.

42. Відродження народу (2019) Кент Монкман

Кент Монкман - художник корінних народів канадського походження крі. Картини Монкмана, як правило, мають історичний характер і відносяться до американського прикордонного життя 1800-х років. Ці різні роботи підривають чи пародируют домінування євро-американських почуттів та забобонів. Посилаючись на знамениту картину «Вашингтон перетинає Делавер» (1851 р.), «Відродження народу» зображує альтер-его чи особистість Монкмена, яка висловлює «дводухний» чи андрогінний третій підлогу, цим створюючи його власну ідентичність і він історичне присутність . знущатися з авторитету європейських колонізаторів. Стоячи на човні, Монкман, крокуючи вперед, тримає перо в правій руці. Човен, майже тонучий, здається, заповнений біженцями - корінними американцями, білими та чорними людьми - усі вони рятуються від повені чи іншого лиха.

Продовжуємо ТОП сучасний живопис:

41. Нова демократія (1945) Давид Альфаро Сікейрос

Один із найбільших мексиканських художників-муралістів, а також відомий художник соцреалізму, Сікейрос був членом Комуністичної партії Мексики та прихильником Радянського Союзу; і разом із Дієго Ріверою він вивчав роботи художників-фрескістів епохи Відродження. Сікейрос, якого часто вважають художником і революціонером, написав «Нову демократію», використовуючи сучасні методи малювання та інструменти - електричні проектори, фотографії, фарбопульти та нові фарби - щоб він міг покривати великі ділянки будівель на відкритому повітрі. Сікейрос хотів, щоб його картини могли легко побачити маси, що проходять повз. Цікаво, що в 1940-х роках Сікейрос навчив Джексона Поллока техніці капання та наливання, яка призвела до створення Поллока «краплинних картин».

40. Шифри та сузір'я. Закоханий у жінку (1941) Жоан Міро

Хуан Міро був художником і скульптором, який народився наприкінці 1800-х років у Барселоні, Іспанія. Спочатку перебуваючи під впливом фовізму, кубізму і дадаїзму, а також таких художників, як Вінсент Ван Гоф та Поль Сезанн, Міро, можливо, більш відомий своїми картинами магічного реалізму, ліричної абстракції чи сюрреалізму, хоча він ніколи не вважав себе сюрреалістом. "Шифри та сузір'я, закохані в жінку", одна з 23 картин у серії "Сузір'я" Міро, є яскравим прикладом деяких з його найпопулярніших - і, можливо, кращих - картин. Міро був не лише художником, а й великим скульптором та керамістом, а також створював мультимедійні роботи та навіть гобелени.

Продовжуємо ТОП сучасний живопис:

39. Яловича туша (1924) Хаїм Сутін

Художник-експресіоніст Хаїм Сутін був настільки одержимий реалізмом, що затяг тушу великої рогатої худоби у свою квартиру, щоб він міг дослідити своє особисте бачення та техніку, малюючи її, хоча її жахливий запах стривожив сусідів; він також пролив кров у коридор, що спонукало художника Марка Шагала під час відвідин кричати: Хтось убив Сутіна! "Туша з яловичини", одна з 10 картин на каркасах, була натхненна натюрмортом Рембрандта "Забитий бик" (1655). Примітно, що 1923 року американський колекціонер творів мистецтва Альберт Барнс купив одночасно 60 картин Сутіна. Сутін, у ті дні без гроша в кишені, взяв гроші, спіймав таксі в Парижі і наказав таксисту відвезти його до Ніцци на Французькій Рів'єрі, приблизно за 400 миль звідси!

38. Потопаюча дівчина (1963) Рой Ліхтенштейн

Живучи в новому стилі поп-арт, який відстоював Енді Уорхол і Джеймс Розенквіст, кар'єра Роя Ліхтенштейна стала стрімкою на початку 1960-х років, коли він почав показувати свої картини в галереї Лео Кастеллі в Нью-Йорку. Ці великі комерційні картини виглядали так, ніби вони були вирізані зі сторінок коміксів, з використанням таких умовностей, як точки Бен-Дея, бульбашки думок та клішована розповідь. Ці комічні вибухи продавалися бадьоро, хоча деякі мистецтвознавці вважали, що вони позбавлені оригінальності та були вульгарними та порожніми; насправді деякі називали Ліхтенштейна «одним з найгірших художників Америки». «Тануча дівчина» - одна з найпопулярніших картин Ліхтенштейну, яку називали «шедевром мелодрами». Можливо, це можна вважати художнім прикладом капіталістичної індустріальної культури Америки.

37. Ad Parnassum (1932) Пауль Клеє

Швейцарський художник Пауль Клеє, чий стиль живопису включав експресіонізм, кубізм і сюрреалізм, опублікував записники Пауля Клеє в Німеччині 1920-х років. Це збірка його лекцій для шкіл Баухауса в Німеччині, які вважаються такими ж важливими для сучасного мистецтва, як мистецтво Леонардо да Вінчі для епохи Відродження та роботи Ісаака Ньютона для фізики. Ad Parnassum - це композиція, яку Клеє написав після поїздки до Єгипту за три роки до цього (звідси піраміда), і вважається шедевром пуантилізму. У 1949 році Марсель Дюшан зауважив, що Пауль Клеє може малювати і малювати так, як прагнуло зробити багато художників, тобто створювати мистецтво, яке здається дитячим за своєю концепцією, але демонструє «велику зрілість у мисленні», і додав, що роботи Клеє були «Незрівнянне» у сучасному мистецтві.

36. Спляча Венера (1944) Поль Дельво

Бельгійський художник Поль Дельво, можливо, написав більше оголених жінок, аніж будь-який інший художник-модерніст! Більшість його картин зображують оголених жінок у композиціях, які можуть містити греко-римську архітектуру, міфологічні теми, відсилання до Жюля Верна, поїзди та вокзали, скелети, розп'яття чи людей чи предмети, зіставлені анахронічним чи галюцинаторним чином. Перебуваючи під сильним впливом Джорджо де Кіріко та Рене Магрітта, Дельво любив малювати жінок, які здаються загіпнотизованими, коли вони йдуть фантасмагоричними царствами. Спляча Венера зображує жінок у класичній обстановці, з дорической колонадою, що вважається чоловічою (ліворуч), і іонійською, що вважається жіночою (у центрі), тоді як жінки або розслаблені (або сплять), або схиляють коліна, благаючи богів або чоловіків. , можливо. Чи є ця картина метафорою жінок у житті?

35. Вечірка на човнах (1893 – 1894) Мері Кассат

Мері Кассат народилася в Алегейні, штат Пенсільванія, і почала вивчати живопис ще підлітком у середині 1800-х років. У школі вона вела богемний спосіб життя та прийняла фемінізм. У 1866 році вона переїхала до Парижа, де продовжила вивчати мистецтво і часто відвідувала Лувр. де разом з іншими жінками копіювала картини, деякі з яких було продано за невеликі суми. В цей час у неї також склалися довга дружба та наставництво з художником Едгаром Дега. Потім, у 1870-х роках, Кассат виставила свої картини разом з іншими імпресіоністами, хоча більшість її робіт була відхилена, можливо, через її статі. Кассат написала «Вечірку на човнах», коли нарешті досягла успіху як живописець. Історик мистецтва Фредерік Суєт називає це «однією з найамбіційніших картин, які вона коли-небудь створювала». І, що особливо важливо, 1966 року картина з'явилася на поштовій марці США.

Продовжуємо ТОП сучасний живопис:

34. № 1 Royal Red and Blue (1954) Марк Ротко

Марк Ротко, який вважається сюрреалістом і абстрактним експресіоністом, хоча він не ототожнював себе з якимось художнім рухом, почав вивчати мистецтво і живопис у Нью-Йорку, де він жив у 1920-х роках; його вчителями і наставниками були Аршил Горки, Макс Вебер і Мілтон Ейвері, важкоатлети в сучасному модерністському світі. У 1930-40-х роках картини Ротко були засновані на грецькій міфології, а також на християнські та давньоєгипетські релігійні теми. Але до 1950-х Ротко заглибився в абстракцію і почав давати своїм картинам номери, а не назви. Королівський червоний і синій, що вважається картиною кольорового поля, № 1 - це величезна картина з вертикальним форматом і без рамки. Це безперечно проста картина, яку Ротко хотів викликати емоції, смертність, чуттєвість та духовність. Картини Ротка за останні десятиліття продавалися за мільйони доларів. У 2012 році цю картину було продано за 75 мільйонів доларів.

Продовжуємо ТОП сучасний живопис:

33. Сон (1910) Анрі Руссо

Французький художник-постимпресіоніст, який малював у примітивному чи наївному стилі, аж до глузувань (деякі критики назвали його картини дитячими). Руссо, художник-самоучка, за свою кар'єру намалював десятки сцен у джунглях. Сон, його остання завершена робота (він помер незабаром після завершення), є мрійливою сценою, наповненою стилізованим листям і тваринами, підкресленою хтивою оголеною жінкою, що лежить на дивані, коли вона вказує лівою рукою на граючого заклинача чорних змій. флейти. Звичайно, оголені тіла, що лежать, були популярними предметами в класичній традиції, а також у модерністських картинах, які приходять на думку в роботах Матісса і Мані. Роботи Руссо вплинули на багатьох художників-авангардистів, таких як Жан Гюго, Макс Бекманн, Пабло Пікассо і Жан Метцінгер.

32. Без назви (Череп) (1981) Жан-Мішель Баскія

Художник неоекспресіонізму пізнього модерну та раннього постмодерну, Жан-Мішель Баскія був афроамериканським художником, який жив та малював у Нижньому Іст-Сайді Манхеттена у 1980-х роках, коли його роботи виставлялися на місцевих та міжнародних виставках. Картини Баскії мали міський вигляд, що нагадує графіті, і в них використовувалися соціальні коментарі, щоб викликати самоаналіз, і часто звинувачували у політичній критиці чи проблемах класової боротьби, расизмі та колоніалізмі. Його роботи надихнули багатьох виконавців хіп-хопу, таких як Jay-Z. Картина Черепа відобразила початковий інтерес Баскії до голів та черепів, які він часто малював чи розфарбовував. Примітно, що в середині 1980-х Баскія потоваришував і потоваришував з Енді Ворхолом, і, за збігом, обидва померли приблизно одночасно - Ворхол (1987) і Баскія (1988).

Продовжуємо ТОП сучасний живопис:

31. Кардинал, що тріснув (2001) Джордж Кондо

Джордж Кондо, один із багатьох сучасних художників, що живуть і працюють у Нью-Йорку, заснував своє мистецтво в Іст-Віллідж, створивши те, що він назвав штучним реалізмом, поєднанням європейського живопису старих майстрів та поп-арту. Один із багатьох художників, які відродили живопис в Америці, Кондо виставляв свої роботи у 1980-х роках, а також працював на фабриці Енді Воргола, хоча здебільшого робив там шовкографії. Кондо також підтвердив із автором Вільямом С. Берроузом. Врешті-решт, розвиваючи стиль живопису, що поєднує фігури поп-культури з гумором і гротескними образами, те, що Кондо називає психологічним кубізмом, він на початку 2000-х створив «Тріснутого кардинала» та багато інших подібних картин у цьому стилі. Насамкінець, якби в сучасній Америці був більш популярний і впливовий художник, хто б це був?

30. Les Demoiselles d'Avignon (1907) Пабло Пікассо

На цій великій картині, написаній у період африканського мистецтва та примітивізму Пікассо (1907–1909), зображено п'ять молодих оголених жінок, які працюють повіями у борделі у Барселоні, Іспанія. Три жінки ліворуч демонструють іберійський стиль іспанського мистецтва, тоді як дві праворуч демонструють особи, що нагадують африканські маски, якими Пікассо виявив велике захоплення. Ця картина, яку деякі вважали аморальною, викликала справжній переполох у світі мистецтва і не з'являлася публічно до 1916 року; навіть деякі друзі Пікассо вважали цю жахливим чи просто жартом. У будь-якому випадку, ця картина була попередницею аналітичного кубізму, нової революції в мистецтві, яку відстоювали Пікассо і Жорж Шлюб і вважали найвпливовішим художнім рухом ХХ століття.

29. Композиція VII (1913) Василь Кандінський.

Василь Кандинський, якого зазвичай вважають піонером абстрактного мистецтва, виріс у Москві, де створив серію "Композиція", що складається з 10 картин, сім з яких Кандинський назвав "найскладнішою роботою, яку він коли-небудь створював". Потім, у 1922 році, він переїхав до Німеччини, де викладав у школі мистецтва та архітектури Баухаус, до 1933 року, коли нацисти закрили школу та конфіскували перші три твори Кандинського, назвавши їх «дегенеративним мистецтвом», а потім знищили їх. Образи, знайдені у Композиції VII, включають християнську есхатологію, воскресіння, духовність Нью-Ейдж та Чотирьох вершників Апокаліпсису, знайдених у Одкровенні Іоанна Патмоського.

28. Mellow Pad (1945 – 1951) Стюарт Девіс

Кар'єра Стюарта Девіса як художника зародилася на початку ХХ століття в Нью-Йорку, де школа Ashcan, художній рух, що представляє твори мистецтва, що зображують повсякденне життя Нью-Йорка, здавалося, уособлювала період політичного повстання в Америці. Ключовою картиною цього періоду є "Автопортрет" (1919). Потім, у 1920-х і 30-х роках, Девіс розробив набагато барвистіший і абстрактніший стиль живопису, який можна було вважати прото-поп-артом. Багато з цих робіт демонструють любов Девіса до комерціалізму, рукотворних об'єктів, кубізму та джазу. Такі картини, як «М'який пад» і «Маленький Матісс», «Багато джазу» показують, чому Девіс, можливо, був найбільшим художником-модерністом в Америці - можливо, до підйому абстрактного експресіонізму в 1940-х і 1950-х роках, але хто скаже?

27. Перемога у стилі бугі-вугі (1942-1944) Піт Мондріан

Голландський художник Піт Мондріан розпочав свою кар'єру у 1890-х роках. Ранні роботи Мондріана, прихильника постімпресіонізму та кубізму, були дуже приємні для очей, навіть гарні, особливо «Весняне сонце: руїни замку: Бредероде» (1909–1910). Але приблизно в 1913 році Мондріан відмовився від образотворчого мистецтва і заснував De Stijl (Стиль), який ілюструє його теорію неопластицизму і для якого він використовував лише основні кольори та геометричні форми, наприклад, у Tableau I (1921). Але Victory Boogie Woogie - яскравіша і оптимістичніша робота, ніж його ранні, суворіші картини, що знаменують революційні зміни у його абстракції. Підбиваючи підсумок ідеалу Мондріана, він сказав: «Мистецтво вище за реальність і не має прямого відношення до реальності. Щоб наблизитися до духовного у мистецтві, потрібно якнайменше використати реальність, бо реальність протилежна духовному».

26. Серія 1, № 8 (1918) Джорджія О'Кіф.

Джорджію О'Кіфф, яку іноді називають матір'ю американського модернізму, славиться малюванням квітів, будівель у Нью-Йорку, хмар та рельєфу Нью-Мексико. Багато квітів О'Кіф нагадують жіночі геніталії, особливо Серії 1, № 8, що нагадує жіночу вульву; проте О'Кіфф заперечував цей намір. На початку кар'єри О'Кіф вона малювала реалістично, але до 1914 року її живопис став набагато абстрактнішим, хоча все ще здавалося, що на ній зображені відомі об'єкти. І, як і багато абстракціоністів, О'Кіф намалював мало людей, якщо взагалі намалював, може, тварину чи дві, але це все. Примітно, що вона дожила до 98 років, а її картину «Джимсон Віїд» (1932) було продано у 2014 році за 44,4 мільйона доларів, що стало найвищою ціною, коли-небудь сплаченою за картину жінки.

Продовжуємо ТОП сучасний живопис:

25. Гори та море (1952) Хелен Франкенталер

Художниця-абстракціоністка відомих абстрактних експресіоністів 1940-50-х років і пізніше, Хелен Франкенталер перебувала під сильним впливом робіт Джексона Поллока. Після того, як вона побачила на виставці крапельних картин Поллока у 1950 році, вона сказала: «Все було там. Я хотів жити на цій землі. Мені довелося там жити та вивчити мову». Також на неї вплинули акварелі Поля Сезанна та Джона Марина. Наголошуючи на спонтанності у своїх картинах, вона сказала: «Дійсно хороша картина виглядає так, ніби це сталося відразу». Картина Франкенталера «Гори та море», яка використовує техніку, яку вона назвала «замочування плям», дозволяла фарбам вбратися в полотно, стала однією з перших виставлених нею картин і, мабуть, найпопулярнішою за її багаторічну кар'єру.

24. Крик (1893) Едвард Мунк

Норвезький художник Едвард Мунк, людина, охоплена психологічними проблемами (у його сім'ї було важке психічне захворювання), створив одну з найвідоміших картин сучасності. Крик символізує для багатьох занепокоєння сучасного людства, хоча сам Мунк сказав, що намалював його як реакцію на криваво-червоний захід сонця, який йому здався «криком природи». Упродовж десятиліть, коли його картини ставали зразками німецького експресіонізма, Мунк прагнув створити картини, що показують його поточний психологічний стан, навіть якщо цей стан міг включати суїцидальні думки, песимізм, алкоголізм чи агресивну поведінку. Один критик писав: «З безжальною зневагою до форми, ясності, елегантності, цілісності та реалізму він малює з інтуїтивною силою таланту найтонші бачення душі».

23. Світ Христини (1948) Ендрю Уайєт

"Світ Христини" - одна з найвідоміших американських картин ХХ століття. На ньому зображена жінка, що повзає безлісним полем, дивлячись на будинок та інші невеликі будівлі вдалині. Жінка - Ганна Крістіна Олсон, яка страждала на хворобу Шарко-Марі-Тута, невиліковну хворобу, що викликає прогресуючу втрату м'язової тканини. Що стосується включення картини в поп-культуру, з'явилися такі фільми, як: 2001: Космічна одіссея (картина висить на стіні готельного номера, через який проходить астронавт Девід Боуман після того, як він проходить через зіркові ворота) і Війна з усіма, в якому персонаж дивиться на репродукцію картини і каже: Це трохи моторошно. Схоже, щось погане станеться, але вона нічого не може з цим вдіяти».

24. Крик (1893) Едвард Мунк

Норвезький художник Едвард Мунк, людина, охоплена психологічними проблемами (у його сім'ї було важке психічне захворювання), створив одну з найвідоміших картин сучасності. Крик символізує для багатьох занепокоєння сучасного людства, хоча сам Мунк сказав, що намалював його як реакцію на криваво-червоний захід сонця, який йому здався «криком природи». Упродовж десятиліть, коли його картини ставали зразками німецького експресіонізму, Мунк прагнув створити картини, що показують його поточний психологічний стан, навіть якщо цей стан міг включати суїцидальні думки, песимізм, алкоголізм чи агресивну поведінку. Один критик писав: «З безжальною зневагою до форми, ясності, елегантності, цілісності та реалізму він малює з інтуїтивною силою таланту найтонші бачення душі».

23. Світ Христини (1948) Ендрю Уайєт

"Світ Христини" - одна з найвідоміших американських картин ХХ століття. На ньому зображена жінка, що повзає безлісним полем, дивлячись на будинок та інші невеликі будівлі вдалині. Жінка - Ганна Крістіна Олсон, яка страждала на хворобу Шарко-Марі-Тута, невиліковну хворобу, що викликає прогресуючу втрату м'язової тканини. Що стосується включення картини в поп-культуру, з'явилися такі фільми, як: 2001: Космічна одіссея (картина висить на стіні готельного номера, через який проходить астронавт Девід Боуман після того, як він проходить через зіркові ворота) та Війна з усіма, у якому персонаж дивиться на репродукцію картини і каже: Це трохи моторошно. Схоже, щось погане станеться, але вона нічого не може з цим вдіяти».

22. Гравці у карти (1895) Поль Сезанн

Вважається художником постімпресіонізмом, Поль Сезанн, чиї роботи, здається, долають розрив між імпресіонізмом дев'ятнадцятого століття і авангардними рухами початку двадцятого століття, такими як кубізм, футуризм, дадаїзм, фовізм і ар-деко, вплинув на таких гігантів сучасного. Матісс і Пабло Пікассо, обидва відзначали: "Сезан - батько всіх нас". Сезанн писав «Гравців у карти» під час свого останнього періоду з 1890-х до початку 1900-х років, коли він мав багато фізичних і психічних проблем; тим не менш, він створив п'ять картин із цієї серії, одну версію яких було продано королівській родині Катару за 250–300 мільйонів доларів у 2011 році. Це була найвища ціна, заплачена за картину до листопада 2017 року.

Продовжуємо ТОП сучасний живопис:

21. Вхід Христа до Брюсселя (1889) Джеймс Енсор

Бельгійський художник, який працює в таких стилях, як сюрреалізм та експресіонізм, Джеймс Енсор належав до Les XX, групи з 20 бельгійських художників, дизайнерів та скульпторів, які проводили щорічну виставку свого мистецтва, на яку було запрошено багато інших відомих художників. На жаль, виставка Ensor «В'їзд Христа до Брюсселя» була відкинута Les XX і не з'являлася публічно до 1929 року. Ця робота, що вважається скандальною, зображує Христа верхи на віслюку в карнавальному скупченні людей у ​​гротескних масках; історичні особистості також зображені у натовпі. Що стосується спірного твору мистецтва Ensor, один критик написав: «Ensor - небезпечна людина, яка зазнала великих змін і, отже, відзначена для ударів. Саме на нього націлені усі аркебузи».

20. Враження, схід (1872) Клод Моне

Клод Моне, один із основоположників французького імпресіоністичного живопису, представив Impression, Sunrise на першому показі імпресіоністських картин у паризькому салоні у 1874 році. Насправді слово «імпресіонізм» походить від назви цього витвору мистецтва, оскільки Моне використав його для опису того, як схід сонця справив на нього «враження», особливо гра світла в його різних аспектах, в порту Ле-Харве в один конкретний ранок . Отже, чи слід вважати Моне першим французьким художником-імпресіоністом – чи, якщо вже на те пішло, першим таким художником у світі? Це предмет суперечок. Роботи художника Джозефа М. В. Тернера (1775–1851), чиї роботи були явно імпресіоністськими до кінця його кар'єри, могли отримати кілька голосів як перший художник-імпресіоніст у світі. Проте Моне часто називають батьком імпресіонізму.

19. 32 банки супу Кемпбелла (1962) Енді Ворхол

Енді Уорхол, один із попередників поп-арту, що зародився в британських та американських художніх галереях у 1950-х роках, був першим художником, який створив картини з банками для супу та іншими звичайними американськими предметами домашнього побуту. 32 банки для супу Кемпбелла - це колекція з 32 полотен (20 на 15 дюймів кожен) з нанесенням синтетичної полімерної фарби на полотно. Вперше Уорхол показав картину у галереї Ferus у Лос-Анджелесі, запустивши дебют поп-арту на Західному узбережжі у 1962 році. Ця кричуща комерціалістична робота розлютила прихильників абстрактного імпресіонізму, який правив американським мистецтвом з 1940-х років. Через популярність банок з супом та інших рекламних зображень Уорхолу він став найвідомішим художником поп-арту, оскільки його роботи були найдорожчими серед усіх американських художників, що нині живуть. На жаль, до того, як у 1987 році Уорхолу зробили операцію на жовчному міхурі, у нього було передчуття, що він не вийде з лікарні живим – і мав рацію!

Продовжуємо ТОП сучасний живопис:

18. Жінка III (1953) Віллем де Кунінг

Віллем де Кунінг був художником голландського походження, який переїхав до США у 1920-х роках і почав малювати у 1928 році, роблячи в основному фігуративні роботи. Але в 1940-х його живопис став менш репрезентативним, особливо його чорно-білі абстрактні роботи. Після Другої світової війни де Кунінг та багато інших американських художників, таких як Джексон Поллок і Марк Ротко, заснували Нью-Йоркську школу абстрактного експресіонізму. На початку 1950-х де Кунінг розпочав свою «Жіночу серію», яка включала шість картин жінок, кожна з яких демонструє вплив Пікассо – і «Жінка III», можливо, є найкращою із серії. У 2006 році «Жінка III» була продана за 137,5 мільйона доларів, що на той час стало четвертою за вартістю картиною з будь-коли проданих!

17. Я та село (1911) Марк Шагал

Можливо, найбільший єврейський художник двадцятого століття, Марк Шагал, мав мальовничий стиль, який являв собою суміш кубізму, символізму, фовізму і сюрреалізму. Крім того, він працював у різних художніх форматах: живопис, книжкові ілюстрації, вітражі, декорації, кераміка, гобелени та репродукції образотворчого мистецтва. «Я і Село», як і багато картин Шагала, складно описати. За словами одного вченого, картина – це «кубістична казка». Заснована на східноєвропейському фольклорі, російській та ідиській культурі, картина поєднує в собі безліч художніх елементів, які суперечать законам гравітації, пропорцій, розміру та природного кольору. Грунтуючись на дитячих спогадах Шагала, можна поставити питання, чи не є Шагал зеленолицею людиною на картині. До речі, у 1950-х роках Пабло Пікассо заявив, що «коли Матісс помре, Шагал залишиться єдиним художником, який зрозуміє, що таке колір насправді». Шагал дожив до 97 років.

16. Прапор (1955) Джаспер Джонс

Під час служби в армії США Джаспер Джонс почав мріяти про американський прапор, тому після того, як залишив службу, він почав створювати витвори мистецтва, пов'язані з цим культовим зображенням. У 1955 році Джонс створив мультимедійну картину під назвою Flag, що складається з енкаустики, олійної фарби та колажу на полотні, потім змонтованого на тканині та, нарешті, на фанері. Всі 48 штатів (Гавайї та Аляска ще не приєдналися до союзу) не були ідентичними, і смуги на прапорі були зроблені зі смуг газетного паперу, а потім покриті червоною або білою фарбою, причому більшість газетного паперу просвічувала крізь них. Цікаво, що творчість Джонса часто асоціюється з неодадаїзмом та поп-артом. А 2014 року Прапор було продано на аукціоні Sotheby's за 36 мільйонів доларів.

15. Моделі (1888) Жорж Сера.

Жорж Сера був прихильником постімпресіонізму, французького художнього руху, який розвивався з кінця 1880-х до початку 1900-х років і включав неоімпресіонізм, який більш тісно відображав стиль живопису Сера, і обидва були включені в пуантилізм; Тобто його намальовані зображення складалися з крихітних кольорових точок, схожих на крапковий матричний друк. Дивно, але «Моделі» зображують трьох дівчат-моделей у стані роздягненості, а на верхньому лівому фоні картини – частина знаменитої картини Сера «Неділя на острові Ла Гранд Жатт». Отже, The Models включає два шедеври в одному. Хто це зробив? Жорж Сера зробив!

14. Звідки ми прийшли? Хто ми? Куди ми йдемо? (1897) Поль Гоген

Поль Гоген був бізнесменом до краху французької економіки 1882 року. Потім він звернувся до живопису, використовуючи стиль постімпресії 1880-х років. Принагідно він відійшов від імпресіонізму і допоміг досліджувати такі стилі, як синтетизм, символізм і перегородчастість, всі з яких відрізнялися від імпресіонізму, тому що вони підкреслювали двовимірні візерунки без градацій кольору, які надали картинам невелику глибину або не надали їм глибини або класики. перспективи. У 1890-х роках Гоген відвідав Таїті, а потім Маркізські острови, де він багато років жив із тубільцями і одружився з 13-річною дівчиною. Гоген створив безліч картин цих полінезійців, і кращою була картина «Звідки ми прийшли?», яку він вважав своїм шедевром і останнім художнім свідченням. А потім, закінчивши, він спробував накласти на себе руки, але безуспішно і прожив до 1903 року.

13. Голконда (1953) Рене Магрітт

Бельгійський сюрреаліст Рене Магрітт любив малювати твори, які кидали виклик людському почуттю реальності. Картини Магрітта, що часто зображують звичайні предмети та/або людей у ​​незвичайній, неймовірній чи фантастичній обстановці, відправляють вас у мрійливу подорож у вашу власну підсвідомість. і, можливо, колективна підсвідомість людства, якщо така існує. Голконда показує житлову сцену будівель з червоними дахами, над якими видно численні чоловіки середнього віку, що падають з неба, одягнені в пальто і капелюхи-котелки (як Магритт часто зображував себе на картинах), або підвішені в повітрі у вигляді сітки. . Чи є ці чоловіки окремими особами чи кількома особами однієї людини? Цікаво, що мати Магритта наклала на себе руки, коли йому було 14 років, і було висловлено припущення, що його загадкові твори мистецтва виходять зі стану, коли вона жива - або мертва.

Продовжуємо ТОП сучасний живопис:

12. Обід на човні (1881) П'єр Огюст Реніор

Один із великих імпресіоністів, Реніор любив малювати гарненьких жінок у гарних декораціях і часто демонструвати ступінь жіночної чуттєвості – традиція, що сягає мистецтва Рубенса та Ватто. Натхненний роботами Каміля Пісарро та Едуарда Мане, Реніор був одним із художників, які представили свої картини на першій виставці імпресіоністів у Парижі у 1874 році. Обід на човні показує життя, яким він був у ті безтурботні дні у Франції; насправді жінка, що грає з собакою зліва, - це майбутня дружина Реніора, а решта - його численні друзі, у тому числі художник Гюстав Кайботт (внизу праворуч). Реніор продовжував малювати до старості, навіть коли страждав на ревматоїдний артрит і анкілоз правого плеча. Цікаво, що троє його синів стали художниками та режисерами, особливо актор Жан Реніор (1894–1979).

Продовжуємо ТОП сучасний живопис:

11. Розпад сталості пам'яті (1954) Сальвадор Далі

Безумовно, один із найбільш ексцентричних та самозакоханих художників усіх часів, Сальвадор Далі одного разу сказав: «Я не дивний. Я просто ненормальний». Якщо залишити осторонь його грандіозну поведінку, генію Далі як великого художника немає рівних, особливо у тому, що стосується майстрів сюрреалізму. Неможливо забути дивовижні та химерні образи Далі. Важко повірити, що вони могли б виникнути з людського розуму! У книзі «Розпад сталості пам'яті» Далі, використовуючи свою інтерпретацію квантової механіки, деконструює, можливо, найвідомішу роботу «Стійність пам'яті» (1931). Хто може сказати, чи краще одна картина, ніж інша? Цікаво, що у 2017 році труп Далі було вилучено для аналізу ДНК для врегулювання позову щодо встановлення батьківства. Виявилось, що це не його дитина! Крім того, незадовго до своєї смерті в 1989 році він сказав: «Коли ви геній, у вас немає права вмирати, тому що ми потрібні для прогресу людства».

10. Любовні обійми Всесвіту (1949) Фріда Кало.

Незважаючи на поліомієліт і серйозну травму в дорожньо-транспортній пригоді в 18 років, через яку вона страждала від проблем зі здоров'ям все життя, що залишилося, Фріда Кало зробила вражаючу кар'єру мексиканського художника-сюрреаліста (або магічного реаліста, художників, які використовують реалізм з доданими елементами). фентезі). . За життя Кало не була добре відома як художник, а просто дружина художника-монументаліста Дієго Рівери, до 1970-х років, тобто доти, доки її спадщина не привернула увагу чиканосів, феміністок, руху ЛГБТК та корінних американців. Тепер про неї написали книжки! На картині Кало «Любовні обійми Всесвіту» Кало зображено з Дієго Ріверою, як їх обіймають Мексика, Земля та Всесвіт. Часто міфологізований, добре це чи погано, Кало став одним із найвизнаніших художників двадцятого століття. Цікаво, що у 2018 році Наглядова рада Сан-Франциско змінила назву Phelan Avenue на Frida Kahlo Way.

9. Битва вогнів, Коні-Айленд (1914) Джозеф Стелла

Джозеф Стелла був італо-американцем, який спеціалізувався на футуристичному живописі на початку 1900-х років. Потім він перейшов до живопису у стилі прецизіонізму у 1920-х та 30-х роках. Під впливом кубізму та футуризму прецизіонізм підкреслював перетворення Америки на сучасне індустріальне суспільство, виділяючи вражаючі мости, хмарочоси та фабрики. "Битва вогнів" на Коні-Айленді була однією з перших успішних картин американського футуризму. Після цього Стелла стала відомим художником на арт-сцені Нью-Йорка, хоча його роботи викликали багато критики з боку консервативних арт-критиків, які знаходили твори модернізму небезпечними і такими, що не піддаються визначенню. Як би там не було, наприкінці 1930-х – на початку 1940-х років стиль живопису Стелли став більш реалістичним та барочним, що не відповідало модерністському – а тим паче авангардному – шаблону, тому світ мистецтва забув про нього.

8. Сніданок на траві (1863) Едуард Мане

Картини Едуара Мане вважаються невід'ємною частиною зародження сучасного мистецтва західної традиції. Мане, чиї роботи подолали розрив між реалізмом та імпресіонізмом у 1860-х роках, розпочав свою художню кар'єру з копіювання робіт старих майстрів у Луврі в Парижі. Обід на траві, пасторальна сцена, в якій зображені два повністю одягнені чоловіки і одна оголена жінка (жінка виглядає розслабленою і намальованою схематично) викликала суперечки в той час, що, можливо, пояснює, чому картина була відхилена Паризьким салоном. коли його було вперше введено. Іншою надзвичайно впливовою картиною, створеною Мане того ж року, була «Олімпія», на якій зображена напівоголена проститутка, чий викликаючий погляд приковує увагу глядача і значно посилює сексуальну напругу в картині. Цікаво, що цю картину було прийнято Паризьким салоном!

7. Full Fathom Five (1947) Джексон Поллок

Можливо, найбільший художник абстрактного експресіонізму, Джексон Поллок створив свої найкращі картини, використовуючи так званий екшн-живопис, техніку, розпочату на початку двадцятого століття такими художниками, як Френсіс Пікабіа і Макс Ернст, хоча Поллок наносив фарбу горизонтально, капаючи розливу розпилення на те, що зазвичай було дуже великим полотном. Можливо, найбільшим періодом для Поллока створення крапельних картин був період із 1947 по 1950 рік. Багато з цих картин зрештою було продано за десятки мільйонів доларів. Алкоголік, який часто ображав людей у ​​нетверезому вигляді, Поллок намагався використати мистецтво, щоб допомогти йому протверезіти, але йому це не вдавалося надовго: він помер в автокатастрофі через алкоголь у 1956 році, у віці 44 років. Примітно, що каталог, що представляє його драматичний стиль, говорив наступним чином: «Вулканічний. У ньому є вогонь. Це непередбачувано. Це недисципліновано. Він виливається із себе у вигляді ще не кристалізованого мінералу».

6. Радість життя (1905) Анрі Матіс

Поряд з Пабло Пікассо Анрі Матісс був одним із гігантів сучасного мистецтва двадцятого століття; обидва допомогли просунути використання образотворчого мистецтва на початку 1900-х років, особливо щодо живопису та скульптури. Приблизно в 1900 році Матісс став лідером фовістів (по-французьки диких звірів), тобто художників, які підкреслювали мальовничі цінності та сміливе використання кольору, іноді дисонансним чином, і менше покладалися на репрезентацію чи реалізм. Фовізм проіснував всього кілька років, але Матісс знайшов свою художню нішу, хоча його, здавалося б, недисциплінований живопис викликав багато критики. Проте з 1906 по 1917 рік Матісс, можливо, створив свої найкращі картини, і «Радість життя», безумовно, є прикладом його вершини. Цікаво, що коли Матісс став літнім і страждав від проблем зі здоров'ям, він більше не міг малювати, тому натомість використовував вирізки з паперу – техніку, відому як декупаж.

5. Герніка (1937) Пабло Пікассо

Пабло Пікассо, відомий в основному як кубіст і сюрреаліст, можливо, не був найбільшим художником двадцятого століття, але майже напевно він був плідним. За оцінками, Пікассо, можливо, створив близько 50 000 творів мистецтва, у тому числі 1885 картин, 1228 скульптур, 2880 керамічних виробів, приблизно 12 000 малюнків, багато тисяч гравюр та численні гобелени та килими. У будь-якому випадку, можливо, це не найбільша його картина, хоча майже напевно найвідоміша. Герніка зображує реакцію Пікассо на бомбардування міста Герніка під час німецьких та італійських повітряних бомбардувань під час громадянської війни в Іспанії. Між іншим, Пікассо, який велику частину життя прожив у Франції, під час Другої світової війни залишався в Парижі. Пікассо часто турбувало гестапо, котре любило обшукувати його квартиру. Якось офіцер знайшов фотографію Герніки і запитав Пікассо: Ти це намалював? І Пікассо відповів: Ні, це так.

4. Дана (1907) Густав Клімт

Австрійський художник Густав Клімт писав у стилі символізму, який підкреслював духовність та уяву, на відміну від реалізму та натуралізму. Клімт був насамперед художником-фігуратором, що спеціалізується на оголених жіночих тілах, які часто зображуються у відверто еротичній манері. На початку 1900-х «Золота фаза» Клімта була найпопулярнішою, схваленою критиками та успішною у грошовому відношенні у його кар'єрі. Цікаво, що у більшості цих картин використовувалося сусальне золото. Тоді надміру сексуально деякі з цих шедеврів вважалися порнографічними. Дана зображує дівчину з грецької міфології, яку батько замкнув у вежі, але її відвідав Зевс, а згодом вона народила Персея. Також намальована такими художниками, як Тіціан та Рембрандт, Дана була символом божественної любові та зверхності. До речі, Клімт став батьком щонайменше 14 дітей та помер під час епідемії грипу 1918 року; та його картину Адель Блох-Бауер I було продано у 2006 році за 135 мільйонів доларів.

3. Зіркова ніч (1889) Вінсент Ван Гог

Типовий змучений геній Вінсент Ван Гог був голландським художником-постимпресіоністом, який все своє життя страждав на психічне захворювання і помер молодим у віці 37 років. Незважаючи на молодість, коли він помер, він створив феноменальну кількість витворів мистецтва – 2100 витворів мистецтва. їх, з них 860 картин олією. Також будучи бідною людиною, Ван Гог страждав від психозу, помилок і те, що можна було вважати клінічної депресією. Коли він більше не міг жити зі своїми психічними проблемами, він вистрілив собі в груди з револьвера і через два дні помер. «Зоряна ніч», безумовно, одна з найкращих його картин, хоча було б неможливо вибрати найкращу, чи не так? Використання Ван Гогом завихрень у цьому ноктюрні, можливо, є найпривабливішим аспектом. Не дивно, що вона стала однією з найвідоміших картин історії художнього висловлювання. До речі, яскравий об'єкт праворуч від кипарису – це планета Венера.

2. Нічні яструби (1942) Едвард Хоппер

Художник американського реалізму, Едвард Хоппер став відомий своїм олійним живописом, хоча він також писав акварельними фарбами та став гравером у гравюрі по металу. Живучи як у сільському, і у міському середовищі, минуло багато років, як Хоппер розробив свій власний популярний стиль; 1931 року було продано 30 картин. Безумовно, найвідоміша і найвпливовіша картина Хопера - це «Нічні яструби». До речі, сценою для «Нічних яструбів» була закусочна в Грінвіч-Віллідж, знесена багато років тому. Продемонстрована протягом місяця у галереї, картина, нарешті, була продана за 3000 доларів, гарні гроші на ті часи. І, що особливо важливо, в масовій культурі та мистецтві сцена в закусочній часто використовується як місце, де мертві рок-зірки або кінозірки збираються випити каву (можливо, офіціант зображується як Елвіс). Задихання також вплинуло на авторів та продюсерів п'єс, фільмів, опер, романів, альбомів та музичних кліпів. Якби більш знакове зображення сучасного американського життя, що б це було?

Закриває ТОП сучасний живопис:

1. Гола, що спускається сходами № 2 (1912) Марсель Дюшан

На початку 1900-х Марсель Дюшан відкинув так зване мистецтво сітківки ока і натомість сподівався створити мистецтво, що кидає виклик розуму. Прибічник кубізму, концептуального мистецтва і дадаїзму у картині «Оголена, спускающаяся сходами № 2» зображує оголену жінку, спускающуюся сходами. З використанням накладених елементів, що нагадують кінофільми та хронофотографічні образи, «Оголена» була вперше показана в Барселоні, Іспанія, 1917 року. На виставці «Оголена натура» разом із роботами кубізму, фовізму та футуризму шокувала публіку, що йде на шоу, хоча зрештою вона стала культовим витвором мистецтва. сучасне мистецтво.