Современная живопись или 65 величайших картин современного искусства

November 15,2021

Эти впечатляющие и в целом знаковые картины известных художников навсегда изменили мир искусства.

Современное искусство зародилось в середине 1800-х годов, когда появление фотографии, казалось, сделало живопись устаревшей. Если можно просто сфотографировать что-то, зачем это рисовать или раскрашивать? Таким образом, художникам пришлось заново изобрести искусство, сделав его более личным, импрессионистическим, экспрессионистским, абстрактным, деконструктивным или минималистичным. Фактически, искусство стало тем, чем его назвал художник. Или, другими словами, произведение искусства было просто отражением самого художника.

А теперь давайте начнем обратный отсчет 65 величайших картин современного искусства!

Начинаем ТОП 65 - Современная живопись

65. Город поднимается (1910) Умберто Боччони

Итальянский художник и скульптор Умберто Боччони был важной фигурой в движении футуризма в начале двадцатого века в Европе. Футуризм, изображающий оптимизм в отношении современности, был предшественником многих других художественных групп: ар-деко, конструктивизма, сюрреализма и дадаизма. Убитый в 33 года во время Первой мировой войны, Боччони, тем не менее, создал более 100 произведений искусства, одним из которых была «Город возвышается», работа, которая, как правило, была принята публикой и быстро продана за 4000 лир. Это большое полотно (два на три метра) считается первым произведением Боччони в стиле футуризма, и его можно увидеть в Музее современного искусства Метрополитен в Нью-Йорке.

Продолжает ТОП современная живопись:

64. Неприемлемый №1 (2013) Фрэнк Баффало Хайд

Коренной американец, Фрэнк Баффало Хайд вырос в резервации Онондага в Нью-Йорке, но он родился в Санта-Фе, Нью-Мексико, где он учился в Институте искусств американских индейцев. Хайд стремится создавать произведения искусства, которые освещают жизнь коренных американцев, а не поддерживают негативные стереотипы, которые люди могут питать в отношении коренных американцев, и часто делают это в юмористической манере. Картина Хайда «Неприемлемый № 1», кажется, изображает симпатичную белую женщину со светлыми локонами, которая пытается казаться коренной американкой, но никого не обманывает!

Продолжает ТОП современная живопись:

63. Воскресенье, Поль Синьяк.

Поль Синьяк начал свою творческую карьеру как поклонник «прудовых» картин Клода Моне. Затем в 1880-х он стал сторонником пуантилизма или дивизионизма вместе с такими художниками, как Жорж Сёра и Анри Эдмон-Кросс; он также стал хорошим другом Винсента Ван Гога, с которым он писал пейзажи и кафе. Картина «Воскресенье» является ярким примером неоимпрессионистского творчества Синьяка. Затем Синьяк перешел в фовизм в начале 1900-х годов и даже купил одну из картин Матисса.

Продолжает ТОП современная живопись:

62. Блок (1978) Romare Bearden

Художник-афроамериканец Ромар Бирден родился в Шарлотте, Северная Каролина, а вырос в Нью-Йорке, где окончил Нью-Йоркский университет. В конце концов Бирден стал членом арт-группы The Spiral из Гарлема, которая стремилась выразить ответственность афроамериканских художников во время движения за гражданские права (1954-1968). Картина Бирдена «Блок» демонстрирует его интерес к абстрактному искусству, особенно в его картинах, карикатурах и коллажах, посвященных социальному протесту; Фактически, Бирдена называют «выдающимся коллажистом страны».

61. Дорога в Рим (1979) Поль Дельво

Пол Дельво проявляет большой интерес к классической античности, особенно к Греции и Риму, и изображает центральную женщину как музу или вдохновляющую богиню, красивую, но недоступную для человеческого прикосновения женщину. Примечательно, что композиция показывает как современные, так и классические элементы, представляя вневременной облик - технику, которую Дельво часто использовал в своих картинах. Некоторые считают его сюрреалистом, Дельво сказал, что не поддерживает теории Зигмунда Фрейда и не включает психоаналитических отсылок в свои картины. В 2016 году «Дорога в Рим» была продана Sotheby’s частному коллекционеру за 2,6 миллиона долларов.

Продолжаем ТОП современная живопись:

60. Время (2014) Лю Сяодун

Сяодун имеет степень магистра изящных искусств Центральной академии изящных искусств (CAFA) в Пекине, Китай, и является профессором кафедры живописи в CAFA. Сяодун пишет работы в стиле соцреализма и находится под сильным влиянием фигуративных картин Люсьена Фрейда. Он часто рисует лао бай син, простых людей, в повседневных позах и ситуациях. Четыре обычных человека на картине «Время» в основном игнорируют молодого человека, который лежит ничком на земле, в стороне, без сознания или мертв. Почему они не проводят расследование и не выясняют, нужна ли этому человеку помощь? Возможно, они не хотят вмешиваться. Это сообщение о жизни в современном Китае?

Продолжаем ТОП современная живопись:

59. Девушка с котенком (1947) Люсьен Фрейд.

Люсьен Фрейд, родившийся в Берлине, Германия, внук психоаналитика Зигмунда Фрейда, провел большую часть своей жизни в Лондоне, Англия, где он присоединился к Лондонской школе, группе художников-фигураторов, в которую входили Фрэнсис Бэкон, Р. Б. Китай, Франк Ауэрбах и Леон Коссофф и др. Стиль живописи Фрейда часто считается немецким экспрессионизмом или сюрреализмом. На картине «Девушка с котенком» изображена одна из жен Люсьена Фрейда, художница Китти Гарман. Эта композиция демонстрирует сходство с ранними нидерландскими картинами пятнадцатого века. Удивительно, но Люсьен Фрейд мог стать отцом целых 40 детей, но было идентифицировано только 14 таких детей.

58. Пойманный на границе (1991) Пасита Абад

Художница филиппинско-американского происхождения, Пакита Абад за свою жизнь создала около 5000 произведений искусства, и эти различные работы можно найти в более чем 70 странах. Картина «Пойманные на границе» эмоционально рассказывает об иммиграции; На нем изображена женщина-мигрантка, смотрящая из-за решетки тюрьмы. Для этой работы Абад использовал технику, известную как трапунто, при которой холст натягивается на стеганую поверхность, создавая эффект приподнятости. Заключенную женщину окружают зеркала, отражающие образы зрителей.

Продолжаем ТОП современная живопись:

57. Прометей (1930) Хосе Клементе Ороско

Вдохновленный гравюрами сатирика Хосе Гваделупе Посада, Ороско помог установить мексиканский ренессанс фресок в 1920-х годах. С 1922 по 1948 год Ороско рисовал фрески по всей Мексике и США. Ороско любил изображать сцены человеческих страданий, хотя он продвигал социальные и политические причины бедных фермеров и рабочих низшего класса. В целом его картины были мрачными и пессимистическими и показывали кровавые потери социальных изменений в Мексике; он также был критиком мексиканской революции (1910–1920), показывая ее трагедию; и его картины часто обвиняют в христианской иконографии. Написанный а-ля фреска в столовой колледжа Помона в Калифорнии, Прометей считается первой современной фреской, написанной в США.

Продолжаем ТОП современная живопись:

56. Гимн из Посейдона (2016) Арсен Савадов.

Художник, художник по инсталляции и перформансам, а также известный фотограф-концептуалист Арсен Савадов живет в Киеве, Украина, но также проводит время в Нью-Йорке. Армянин по происхождению, Савадов изучал живопись в Государственном художественном училище им. Шевченко и окончил Киевский художественный институт. С начала 1990-х годов Савадов выставляет свои работы по всему миру. Картина «Гимн из Посейдона» является ярким примером способности Савадова создавать поразительные картины сюрреализма, неопоп-арта или фантастического реализма.

Продолжаем ТОП современная живопись:

55. Хаф-Доум в национальном парке Йосемити. Автор Грегори Кондос.

Грегори Кондос греческого происхождения учился в художественной школе в Сакраменто и Лос-Анджелесе, штат Калифорния, и преподавал в городском колледже Сакраменто с 1956 по 1982 год. В 1990 году Кондос работал художником в национальном парке Йосемити, где он жил в течение многих лет. лето. Предположительно, Кондос нарисовал Хаф-Доум в национальном парке Йосемити в 1990-х годах. Кондос сказал, что художник Поль Сезанн вдохновил его рисовать природу, в частности, как «рисовать блюз», как он это выразился. «Я босс блюза». А о живописи в целом он заявил: «Художник рисует; Художник старается делать все, даже просто нанизывая бусинки. Я не художник, я художник ».

Продолжаем ТОП современная живопись:

54. Портрет актрисы (1948) Диего Ривера

Известный мексиканский художник-монументалист Диего Ривера также писал произведения кубизма и постимпрессионизма. В 1929 году Ривера женился на художнице Фриде Кало и оставался ее мужем до 1955 года, когда она умерла (Ривера скончался в 1957 году). Оба художника часто включали изображения друг друга в свои произведения. Однако «Портрет актрисы», похоже, не похож на Фриду Кало, хотя это может быть портрет актрисы Полетт Годдар, с которой Ривера дружил в 1940-х; Фактически, Ривера сделал много портретов женщин в первой половине двадцатого века. Любопытно, что в этой композиции фигурирует женщина, к которой можно относиться с осторожностью!

53. Коричневая река III, Уэйн Тибо.

Картины Уэйна Тибо часто считают поп-артом, хотя он не называет себя поп-артистом; он очерняет двумерную работу таких художников, как Энди Уорхол. Тибо (произносится как ти-бо), выросший в основном в северной Калифорнии и преподававший в Калифорнийском университете в Дэвисе, также известен своим использованием гиперреализма в изображениях обычных предметов, таких как выпечка, мороженое, косметика и одежда. . Он также писал пейзажи Центральной долины Калифорнии, например Коричневая река III. Он также пишет городские пейзажи Сан-Франциско, Калифорния; Park Place (1993) является ярким примером фирменного использования Тибо тяжелого пигмента, ярких цветов, преувеличенной перспективы и заметных теней.

52. Квартира (1943) Джейкоб Лоуренс

Среди самых известных афроамериканских художников двадцатого века Джейкоб Лоуренс создал множество композиций из жизни Гарлема в верхнем Манхэттене, Нью-Йорке, Нью-Йорке. Называя свой стиль «динамическим кубизмом» и сравнивая его работы со стилем Анри Матисса, Лоуренс создал множество рассказов об истории афроамериканцев и исторических личностей, в том числе серию из 60 панелей «Миграция» (1940-1941), в которой изображена африканская диаспора. Американцы с юга на север в США в 1910-е годы. За свою жизнь Лоуренс получил множество наград, в том числе Национальную медаль искусств США в 1990 году. В течение 16 лет он преподавал в Вашингтонском университете.

Продолжаем ТОП современная живопись:

51. Терпение (1942) Жорж Брак

В начале 1900-х годов, наряду с современными художниками, такими как Пабло Пикассо, француз Жорж Брак широко известен как основоположник кубизма - стиля живописи, в котором одновременно используется перспектива и эффекты света на геометрические формы, которые фрагментированы или деконструированы в кубы. и другие формы, создавая трехмерные объекты всех видов, включая людей. На тот момент многие картины Брака были практически неотличимы от картин Пикассо! В модели Patience воплощен постоянно развивающийся кубистический стиль Брака, который демонстрирует более непринужденное использование геометрических форм, ярких цветов, а также популярных в то время элементов сюрреализма.

Продолжаем ТОП современная живопись:

50. Восстановленные тишиной, автор: Шонто Бегай.

Потомок племени дине и родился в резервации навахо в Аризоне, Шонто Бегай - чтобы справиться с угнетением необходимости ассимилировать американские идеалы, культуру и верования во время учебы в школе-интернате - начал рисовать и рисовать, чтобы поддерживать и выражать свою культурную принадлежность. личность. Тем не менее, Бегей продолжил свое западное образование, получив степень бакалавра в Калифорнийском колледже искусств и ремесел. Пейзажная картина Бегая "Reclaimed by Silence" показывает его любовь и увлечение ко всем образам жизни коренных американцев на юго-западе Америки. Стиль Бегея сравнивают с неоимпрессионизмом Винсента Ван Гога. Некоторые могут заметить изображение неба Бегеем, на которое, кажется, повлияла «Звездная ночь» Ван Гога (1889).

49. Abstrakes Bild No. 635 (1987) Герхард Рихтер

Немецкий художник Герхард Рихтер начал работать в стиле социалистического реализма в 1950-х годах, пока не избежал коммунизма Восточной Германии и не переехал в Западную Германию, где начал создавать произведения фотореализма. Рихтер проецировал фотографию на холст, а затем закрашивал часть фотографии, часто добавляя эффект размытия с помощью мягкой кисти, создавая сюрреалистический вид. Но в 1970-х и 80-х годах живопись Рихтера стала гораздо более абстрактной. Abstrakes Bild № 635 - это пример мастерства Рихтера в добавлении и удалении краски на холстах, создании красочных, текстурных композиций, с которыми легко жить. В 2011 году, когда Рихтера спросили, какова роль артиста в наши дни, он ответил: «Теперь это больше развлечение. Мы развлекаем людей ».

48. Последняя битва Кастера (1899) Эдгар Сэмюэл Паксон

Американский пограничный художник Эдгар Сэмюэл Паксон был художником-реалистом, который путешествовал из Канзаса в Канаду в середине-конце 1800-х годов; на самом деле, Паксон путешествовал по Монтане, когда в июне 1876 года произошла битва при Литтл-Бигхорне. После битвы Паксон взял интервью у индейцев, таких как Бешеный Конь, которые принимали участие в битве, а также у солдат, впервые посетивших Бигхорн. сцена битвы. Паксону потребовалось 20 лет, чтобы завершить картину размером шесть на девять футов «Последний рубеж Кастера». Интересно, что стиль картины, особенно субъективное сопоставление индейцев и солдат с фиолетовыми облаками в небе, предполагает, что на Паксона повлияли работы современных художников конца девятнадцатого века.

Продолжаем ТОП современная живопись:

47. Сбор сена в Эраньи (1901) Камиль Писсарро

Камиль Писсарро был пионером французского импрессионизма и неоимпрессионизма; фактически, он был единственным художником, который выставлял свои работы на всех выставках парижского импрессионизма с 1874 по 1886 год. Более того, он был отцом таких великих импрессионистов, как Жорж Сёра, Поль Сезанн, Винсент Ван Гог и Поль Гоген. Историк искусства Джон Рьюард назвал его «деканом художников-импрессионистов», потому что он был самым старшим в группе и обладал приятным и приветливым характером. «Сбор урожая сена в Эраньи» демонстрирует склонность Писсарро рисовать деревенских людей, выполняющих простые задания. В 1882 году Пьер Огюст Рениор назвал работы Писсарро в то время «революционными». Hay Harvest подчеркивает интерес Писсарро к неоимпрессионизму, особенно его использование пуантилизма; Фактически, он был единственным художником-импрессионистом, который в конечном итоге переключился на неоимпрессионизм.

Продолжаем ТОП современная живопись:

46. Игра в покер (1894) Кассиус Марцелл Кулидж.

Кассиус Кулидж родился в Антверпене, штат Нью-Йорк. Его родители были квакерами-аболиционистами. Кулидж, не любивший сельскохозяйственный труд, ушел с полей в 1860-х годах и начал зарабатывать себе на жизнь, раскрашивая вывески, иллюстрировав книги и создавая карикатуры для газет. Хотя у Кулиджа было немного художественного образования, он был хорошо образован. Затем, работая на карнавалах, он создал новые портреты в натуральную величину с комедийными элементами, которые стали известны как комические передние планы. Игра в покер - одна из 16 в серии картин-календарей, созданных Кулиджем в начале 1900-х годов. На всех этих работах изображены антропоморфные собаки, занимающиеся человеческой деятельностью, например, игрой в покер. Кулиджу приписывают создание этого мотива, который он также использовал для изображения собак, играющих в бильярд. Примечательно, что в 2015 году Poker Game был продан за 658000 долларов.

45. Обнаженная, сидящая на диване (1917) Амедео Модильяни

Итальянский художник и скульптор Амедео Модильяни, хотя и не был известен в течение своей короткой жизни (35 лет на момент смерти в 1920 году), тем не менее его стилизованные портреты и обнаженные тела в конечном итоге стали популярными посмертно. Работая в основном в Париже, Франция, в начале 1900-х годов, на рисунках Модильяни часто изображены мужчины и женщины с удлиненными головами и шеями, а иногда и с фигурами в полный рост, что вызывало насмешки со стороны критиков и поклонников. В 1917 году у Модильяни была единственная в его жизни персональная выставка, на которой он показал множество обнаженных женщин, в том числе «Обнаженная на диване», вызвавшая фурор. На той же выставке экспонировалась Nu couché au coussin Bleu (1916), лежащая обнаженная натура, проданная в 2015 году за 170 миллионов долларов.

44. Дождливый день, Бостон (1885) Чайльд Хассам

Чайлд Хассам был американским импрессионистом, специализирующимся на городских пейзажах, прибрежных сценах, а позже и на обнаженных натурах на открытом воздухе. Всегда плодовитый художник, Хассам создал более 3000 произведений искусства за свои 75 лет. В начале 1900-х годов Хассам, редко испытывая проблемы с продажей своих работ, продавал свои картины по 6000 долларов за штуку. Дождливый день в Бостоне демонстрирует интерес Хассама к съемке городских пейзажей с использованием холста маслом, а не акварели, которая в то время продавалась лучше. К сожалению, к 1920-м и 30-м годам работы Хассама в стиле импрессионизма часто считались устаревшими по сравнению с реализмом таких художников, как Эдвард Хоппер и Сальвадор Дали. Между прочим, Гассам отверг такие художественные направления, как кубизм и сюрреализм, назвав их «болваном-искусством». В любом случае, спустя десятилетия после смерти Хассама в 1935 году, классические работы импрессионизма вернулись и начали продаваться по астрономическим ценам!

43. Водяные лилии и японский мостик (1897 - 1899) Клод Моне.

Один из основоположников французского импрессионизма Клод Моне также был одним из первых художников, создавших пленэрные пейзажи. Этот тип живописи происходит на открытом воздухе, поэтому художник может использовать солнечный свет и атмосферные эффекты, чтобы изобразить объекты такими, какими они на самом деле появляются в природе в разное время дня - или в разное время года или в различных погодных условиях, - а не в том виде, в каком они могут быть идеализированы или предвзяты в студии. Использование флоры сада и пруда в его резиденции в Живерни, Франция, Водяные лилии и Японский мост иллюстрируют некоторые из лучших картин импрессионистов Моне с 1880-х годов до его кончины в 1926 году. Кроме того, в конце 1800-х - начале 1900-х годов Моне побывал в Средиземное море, где он нарисовал множество известных зданий, достопримечательностей и морских пейзажей.

42. Возрождение народа (2019) Кент Монкман

Кент Монкман - художник коренных народов канадского происхождения кри. Картины Монкмана, как правило, носят исторический характер и относятся к американской приграничной жизни 1800-х годов. Эти различные работы подрывают или пародируют доминирование евро-американских чувств и предрассудков. Ссылаясь на знаменитую картину «Вашингтон пересекает Делавэр» (1851 г.), «Возрождение народа» изображает альтер-эго или личность Монкмена, которая выражает «двудухный» или андрогинный третий пол, тем самым создавая его собственную идентичность и историческое присутствие, которое он использует. издеваться над авторитетом европейских колонизаторов. Стоя на видном месте в лодке, Монкман, шагая вперед, держит перо в правой руке. Лодка, почти тонущая, кажется, заполнена беженцами - коренными американцами, белыми и черными людьми - все они спасаются от наводнения или другого бедствия.

Продолжаем ТОП современная живопись:

41. Новая демократия (1945) Давид Альфаро Сикейрос

Один из величайших мексиканских художников-муралистов, а также известный художник соцреализма, Сикейрос был членом Коммунистической партии Мексики и сторонником Советского Союза; и вместе с Диего Риверой он изучал работы художников-фрескистов эпохи Возрождения. Сикейрос, которого часто считают художником и революционером, написал «Новую демократию», используя современные методы рисования и инструменты - электрические проекторы, фотографии, краскопульты и новые краски, - чтобы он мог покрывать большие участки зданий на открытом воздухе. Сикейрос хотел, чтобы его картины могли легко увидеть проходящие мимо массы. Интересно, что в 1940-х годах Сикейрос обучил Джексона Поллока технике капания и наливания, которая привела к созданию Поллока «капельных картин».

40. Шифры и созвездия. Влюбленный в женщину (1941) Жоан Миро

Хуан Миро был художником и скульптором, родившимся в конце 1800-х годов в Барселоне, Испания. Первоначально находясь под влиянием фовизма, кубизма и дадаизма, а также таких художников, как Винсент Ван Гоф и Поль Сезанн, Миро, возможно, более известен своими картинами магического реализма, лирической абстракции или сюрреализма, хотя он никогда не считал себя сюрреалистом. «Шифры и созвездия, влюбленные в женщину», одна из 23 картин в серии «Созвездия» Миро, является ярким примером некоторых из его самых популярных - и, возможно, лучших - картин. Миро был не только художником, но и великим скульптором и керамистом, а также создавал мультимедийные работы и даже гобелены.

Продолжаем ТОП современная живопись:

39. Говяжья туша (1924) Хаим Сутин

Художник-экспрессионист Хаим Сутин был настолько одержим реализмом, что затащил тушу крупного рогатого скота в свою квартиру, чтобы он мог исследовать свое личное видение и технику, рисуя ее, хотя ее ужасный запах встревожил соседей; он также пролил кровь в коридор, что побудило художника Марка Шагала во время посещения кричать: «Кто-то убил Сутина!» «Туша из говядины», одна из 10 картин на каркасах, была вдохновлена натюрмортом Рембрандта «Забитый бык» (1655). Примечательно, что в 1923 году американский коллекционер произведений искусства Альберт Барнс купил одновременно 60 картин Сутина. Сутин, в те дни без гроша в кармане, взял деньги, поймал такси в Париже и велел таксисту отвезти его в Ниццу на Французской Ривьере, примерно в 400 милях отсюда!

38. Утопающая девушка (1963) Рой Лихтенштейн

Живя в новом стиле поп-арт, отстаиваемом Энди Уорхолом и Джеймсом Розенквистом, карьера Роя Лихтенштейна стала стремительной в начале 1960-х годов, когда он начал показывать свои картины в галерее Лео Кастелли в Нью-Йорке. Эти большие коммерческие картины выглядели так, как будто они были вырезаны со страниц комиксов, с использованием таких условностей, как точки Бен-Дея, пузыри мыслей и клишированное повествование. Эти комические взрывы продавались бодро, хотя некоторые искусствоведы считали, что они лишены оригинальности и были вульгарными и пустыми; на самом деле, некоторые называли Лихтенштейна «одним из худших художников Америки». «Тонущая девушка» - одна из самых популярных картин Лихтенштейна, которую называли «шедевром мелодрамы». Возможно, это можно было бы считать художественным примером капиталистической индустриальной культуры Америки.

37. Ad Parnassum (1932) Пауль Клее

Швейцарский художник Пауль Клее, чей стиль живописи включал в себя экспрессионизм, кубизм и сюрреализм, опубликовал записные книжки Пауля Клее в Германии 1920-х годов. Это сборник его лекций для школ Баухауса в Германии, которые считаются столь же важными для современного искусства, как искусство Леонардо да Винчи для эпохи Возрождения и работы Исаака Ньютона для физики. Ad Parnassum - это композиция, которую Клее написал после поездки в Египет за три года до этого (отсюда и пирамида), и считается шедевром пуантилизма. В 1949 году Марсель Дюшан заметил, что Пауль Клее может рисовать и рисовать так, как стремились сделать многие художники, то есть создавать искусство, которое кажется детским по своей концепции, но демонстрирует «большую зрелость в мышлении», и добавил, что работы Клее были «Несравненное» в современном искусстве.

36. Спящая Венера (1944) Поль Дельво

Бельгийский художник Поль Дельво, возможно, написал больше обнаженных женщин, чем любой другой художник-модернист! Большинство его картин изображают обнаженных женщин в композициях, которые могут содержать греко-римскую архитектуру, мифологические темы, отсылки к Жюлю Верну, поезда и вокзалы, скелеты, распятия или людей или предметы, сопоставленные анахроничным или галлюцинаторным образом. Находясь под сильным влиянием Джорджо де Кирико и Рене Магритта, Дельво любил рисовать женщин, которые кажутся загипнотизированными, когда они идут по фантасмагорическим царствам. Спящая Венера изображает женщин в классической обстановке, с дорической колоннадой, считающейся мужской (слева), и ионийской, считающейся женской (в центре), в то время как женщины либо расслаблены (или спят), либо преклоняют колени, моля богов или мужчин. , возможно. Является ли эта картина метафорой женщин в современной жизни?

35. Вечеринка на лодках (1893 - 1894) Мэри Кассат

Мэри Кассат родилась в Аллегейни, штат Пенсильвания, и начала изучать живопись еще подростком в середине 1800-х годов. В школе она вела богемный образ жизни и приняла феминизм. В 1866 году она переехала в Париж, где продолжила изучать искусство и часто посещала Лувр, где вместе с другими женщинами копировала картины, некоторые из которых были проданы за небольшие суммы. В это время у нее также сложились долгая дружба и наставничество с художником Эдгаром Дега. Затем, в 1870-х годах, Кассат выставила свои картины вместе с другими импрессионистами, хотя большая часть ее работ была отклонена, возможно, из-за ее пола. Кассат написала «Вечеринку на лодках», когда наконец достигла успеха в качестве живописца. Историк искусства Фредерик Суит называет это «одной из самых амбициозных картин, которые она когда-либо создавала». И, что особенно важно, в 1966 году картина появилась на почтовой марке США.

Продолжаем ТОП современная живопись:

34. № 1 Royal Red and Blue (1954) Марк Ротко

Считающийся сюрреалистом и абстрактным экспрессионистом, хотя он не отождествлял себя с каким-либо художественным движением, Марк Ротко начал изучать искусство и живопись в Нью-Йорке, где он жил в 1920-х годах; его учителями и наставниками были Аршил Горки, Макс Вебер и Милтон Эйвери, тяжеловесы в современном модернистском мире. В 1930-40-х годах картины Ротко были основаны на греческой мифологии, а также на христианские и древнеегипетские религиозные темы. Но к 1950-м годам Ротко углубился в абстракцию и начал давать своим картинам номера, а не названия. Считающийся картиной цветного поля, № 1 «Королевский красный и синий» - это огромная картина с вертикальным форматом и без рамки. Это определенно простая картина, которую Ротко хотел вызвать эмоции, смертность, чувственность и духовность. Картины Ротко за последние десятилетия продались за миллионы долларов. В 2012 году эта картина была продана за 75 миллионов долларов.

Продолжаем ТОП современная живопись:

33. Сон (1910) Анри Руссо

Французский художник-постимпрессионист, который рисовал в примитивном или наивном стиле, вплоть до насмешек (некоторые критики назвали его картины детскими). Руссо, художник-самоучка, за свою карьеру нарисовал десятки сцен в джунглях. Сон, его последняя завершенная работа (он умер вскоре после завершения), представляет собой мечтательную сцену, наполненную стилизованной листвой и животными, подчеркнутую сладострастной обнаженной женщиной, лежащей на диване, когда она указывает левой рукой на играющего заклинателя черных змей. флейта. Конечно, лежащие обнаженные тела были популярными предметами в классической традиции, а также в модернистских картинах, которые приходят на ум в работах Матисса и Мане. Работы Руссо оказали влияние на многих художников-авангардистов, таких как Жан Гюго, Макс Бекманн, Пабло Пикассо и Жан Метцингер.

32. Без названия (Череп) (1981) Жан-Мишель Баския

Художник неоэкспрессионизма позднего модерна и раннего постмодерна, Жан-Мишель Баския был афроамериканским художником, который жил и рисовал в Нижнем Ист-Сайде Манхэттена в 1980-х годах, когда его работы выставлялись на местных и международных выставках. Картины Баскии имели городской вид, напоминающий граффити, и в них использовались социальные комментарии, чтобы вызвать самоанализ, и часто обвиняли в политической критике или проблемах классовой борьбы, расизме и колониализме. Его работы вдохновили многих исполнителей хип-хопа, таких как Jay-Z. Картина Черепа отразила изначальный интерес Баскии к головам и черепам, которые он часто рисовал или раскрашивал. Примечательно, что в середине 1980-х Баския подружился и подружился с Энди Уорхолом, и, по совпадению, оба умерли примерно в одно время - Уорхол (1987) и Баския (1988).

Продолжаем ТОП современная живопись:

31. Треснувший кардинал (2001) Джордж Кондо

Джордж Кондо, один из многих современных художников, живущих и работающих в Нью-Йорке, основал свое искусство в Ист-Виллидж, создав то, что он назвал искусственным реализмом, сочетанием европейской живописи старых мастеров и поп-арта. Один из многих художников, возродивших живопись в Америке, Кондо выставлял свои работы в 1980-х годах, а также работал на фабрике Энди Уорхола, хотя в основном делал там шелкографии. Кондо также подтвердил с автором Уильямом С. Берроузом. В конце концов, развивая стиль живописи, сочетающий фигуры поп-культуры с юмором и гротескными образами, то, что Кондо называет психологическим кубизмом, он в начале 2000-х создал «Треснувшего кардинала» и многие другие подобные картины в этом стиле. В заключение, если бы в современной Америке был более популярный и влиятельный художник, кто бы это был?

30. Les Demoiselles d'Avignon (1907) Пабло Пикассо

На этой большой картине, написанной в период африканского искусства и примитивизма Пикассо (1907–1909), изображены пять молодых обнаженных женщин, которые работают проститутками в борделе в Барселоне, Испания. Три женщины слева демонстрируют иберийский стиль испанского искусства, в то время как две справа демонстрируют лица, напоминающие африканские маски, которыми Пикассо проявил большое восхищение. Эта картина, которую некоторые считали аморальной, вызвала настоящий переполох в мире искусства и не показывалась публично до 1916 года; даже некоторые друзья Пикассо считали это ужасным или просто шуткой. В любом случае, эта картина была предшественницей аналитического кубизма, новой революции в искусстве, которую отстаивали Пикассо и Жорж Брак и считали самым влиятельным художественным движением двадцатого века.

29. Композиция VII (1913) Василий Кандинский.

Василий Кандинский, которого обычно считают пионером абстрактного искусства, вырос в Москве, где создал серию «Композиция», состоящую из 10 картин, семь из которых Кандинский назвал «самой сложной работой, которую он когда-либо создавал». Затем, в 1922 году, он переехал в Германию, где преподавал в школе искусства и архитектуры Баухаус, до 1933 года, когда нацисты закрыли школу и конфисковали первые три сочинения Кандинского, назвав их «дегенеративным искусством», а затем уничтожили их. Образы, найденные в Композиции VII, включают христианскую эсхатологию, воскресение, духовность Нью-Эйдж и Четырех всадников Апокалипсиса, найденных в Откровении Иоанна Патмосского.

28. Mellow Pad (1945 - 1951) Стюарт Дэвис

Карьера Стюарта Дэвиса как художника зародилась в начале двадцатого века в Нью-Йорке, где школа Ashcan, художественное движение, представляющее произведения искусства, изображающие повседневную жизнь Нью-Йорка, казалось, олицетворяла период политического восстания в Америке. Ключевой картиной этого периода является «Автопортрет» (1919 г.). Затем, в 1920-х и 30-х годах, Дэвис разработал гораздо более красочный и абстрактный стиль живописи, который можно было считать прото-поп-артом. Многие из этих работ демонстрируют любовь Дэвиса к коммерциализму, рукотворным объектам, кубизму и джазу. Такие картины, как «Мягкий пад» и «Маленький Матисс», «Много джаза» показывают, почему Дэвис, возможно, был величайшим художником-модернистом в Америке - возможно, до подъема абстрактного экспрессионизма в 1940-х и 1950-х годах, но кто скажет?

27. Победа в стиле буги-вуги (1942-1944) Пит Мондриан

Голландский художник Пит Мондриан начал свою карьеру в 1890-х годах. Ранние работы Мондриана, сторонника постимпрессионизма и кубизма, были очень приятны для глаз, даже красивы, особенно «Весеннее солнце: руины замка: Бредероде» (1909–1910). Но примерно в 1913 году Мондриан отказался от изобразительного искусства и основал De Stijl (Стиль), который иллюстрирует его теорию неопластицизма и для которого он использовал только основные цвета и геометрические формы, например, в Tableau I (1921). Но Victory Boogie Woogie - более яркая и оптимистичная работа, чем его более ранние, строгие картины, знаменующие революционные изменения в его абстракции. Подводя итог идеалу Мондриана, он сказал: «Искусство выше реальности и не имеет прямого отношения к реальности. Чтобы приблизиться к духовному в искусстве, нужно как можно меньше использовать реальность, потому что реальность противоположна духовному ».

26. Серия 1, № 8 (1918) Джорджия О’Киф.

Джорджию О’Кифф, которую иногда называют матерью американского модернизма, славится рисованием цветов, зданий в Нью-Йорке, облаков и рельефа Нью-Мексико. Многие цветы О’Киф напоминают женские гениталии, особенно Серии 1, № 8, что напоминает женскую вульву; однако О’Кифф отрицал это намерение. В начале карьеры О'Киф она рисовала реалистично, но к 1914 году ее живопись стала гораздо более абстрактной, хотя все еще казалось, что на ней изображены узнаваемые объекты. И, как и многие абстракционисты, О'Киф нарисовал мало людей, если вообще нарисовал, может, животное или два, но это все. Примечательно, что она дожила до 98 лет, а ее картина «Джимсон Виид» (1932) была продана в 2014 году за 44,4 миллиона долларов, что стало самой высокой ценой, когда-либо уплаченной за картину женщины.

Продолжаем ТОП современная живопись:

25. Горы и море (1952) Хелен Франкенталер

Художница-абстракционистка известных абстрактных экспрессионистов 1940-50-х годов и позже, Хелен Франкенталер находилась под сильным влиянием работ Джексона Поллока. После того, как она увидела на выставке капельных картин Поллока в 1950 году, она сказала: «Все было там. Я хотел жить на этой земле. Мне пришлось там жить и выучить язык ». Также на нее повлияли акварели Поля Сезанна и Джона Марина. Подчеркивая спонтанность в своих картинах, она сказала: «Действительно хорошая картина выглядит так, как будто это произошло сразу». Картина Франкенталера «Горы и море», использующая технику, которую она назвала «замачивание пятен», позволяла краскам впитаться в холст, стала одной из первых выставленных ею картин и, пожалуй, самой популярной картиной за ее многолетнюю карьеру.

24. Крик (1893) Эдвард Мунк

Норвежский художник Эдвард Мунк, человек, охваченный психологическими проблемами (в его семье было тяжелое психическое заболевание), создал одну из самых известных картин современности. Крик символизирует для многих беспокойство современного человечества, хотя сам Мунк сказал, что нарисовал его как реакцию на кроваво-красный закат, который ему показался «криком природы». На протяжении десятилетий, когда его картины становились образцами немецкого экспрессионизма, Мунк стремился создать картины, показывающие его текущее психологическое состояние, даже если это состояние могло включать суицидальные мысли, пессимизм, алкоголизм или агрессивное поведение. Один критик писал: «С безжалостным презрением к форме, ясности, элегантности, целостности и реализму он рисует с интуитивной силой таланта самые тонкие видения души».

23. Мир Кристины (1948) Эндрю Уайет

«Мир Кристины» - одна из самых узнаваемых американских картин ХХ века. На нем изображена женщина, ползающая по безлесному полю, глядя на дом и другие небольшие постройки вдали. Женщина - Анна Кристина Олсон, которая страдала болезнью Шарко-Мари-Тута, неизлечимой болезнью, вызывающей прогрессирующую потерю мышечной ткани. Что касается включения картины в поп-культуру, появились такие фильмы, как: 2001: Космическая одиссея (картина висит на стене гостиничного номера, через который проходит астронавт Дэвид Боуман после того, как он проходит через звездные ворота) и Война со всеми, в котором персонаж смотрит на репродукцию картины и говорит: «Это немного жутко. Похоже, что-то плохое случится, но она ничего не может с этим поделать ».

22. Игроки в карты (1895) Поль Сезанн

Считающийся художником постимпрессионизмом, Поль Сезанн, чьи работы, кажется, преодолевают разрыв между импрессионизмом девятнадцатого века и авангардными движениями начала двадцатого века, такими как кубизм, футуризм, дадаизм, фовизм и ар-деко, оказал влияние на таких гигантов современного искусства, как Анри. Матисс и Пабло Пикассо, оба отмечали: «Сезанн - отец всех нас». Сезанн писал «Игроков в карты» во время своего последнего периода с 1890-х до начала 1900-х годов, когда у него было много физических и психических проблем; тем не менее, он создал пять картин из этой серии, одна версия которых была продана королевской семье Катара за 250–300 миллионов долларов в 2011 году. Это была самая высокая цена, заплаченная за картину до ноября 2017 года.

Продолжаем ТОП современная живопись:

21. Вход Христа в Брюссель (1889) Джеймс Энсор

Бельгийский художник, работающий в таких стилях, как сюрреализм и экспрессионизм, Джеймс Энсор принадлежал к Les XX, группе из 20 бельгийских художников, дизайнеров и скульпторов, которые проводили ежегодную выставку своего искусства, на которую были приглашены многие другие известные художники. К сожалению, выставка Ensor «Въезд Христа в Брюссель» была отвергнута Les XX и не показывалась публично до 1929 года. Эта работа, считающаяся скандальной, изображает Христа верхом на осле в карнавальном скоплении людей в гротескных масках; исторические личности также изображены в толпе. Что касается спорного произведения искусства Ensor, один критик написал: «Ensor - опасный человек, который претерпел большие изменения и, следовательно, отмечен для ударов. Именно на него нацелены все аркебузы ».

20. Впечатление, восход (1872) Клод Моне

Клод Моне, один из основоположников французской импрессионистической живописи, представил Impression, Sunrise на первом показе импрессионистских картин в парижском салоне в 1874 году. На самом деле, слово «импрессионизм» произошло от названия этого произведения искусства, поскольку Моне использовал его для описания того, как восход солнца произвел на него «впечатление», особенно игра света в его различных аспектах, в порту Ле-Харве в одно конкретное утро. Итак, следует ли считать Моне первым французским художником-импрессионистом - или, если уж на то пошло, первым таким художником в мире? Это предмет споров. Работы художника Джозефа М.В.Тёрнера (1775–1851), чьи работы были явно импрессионистскими к концу его карьеры, могли получить несколько голосов как первый художник-импрессионист в мире. Тем не менее Моне часто называют отцом импрессионизма.

19. 32 банки супа Кэмпбелла (1962) Энди Уорхол

Энди Уорхол, один из предшественников поп-арта, зародившегося в британских и американских художественных галереях в 1950-х годах, был первым художником, создавшим картины с банками для супа и другими обыденными американскими предметами домашнего обихода. 32 банки для супа Кэмпбелла - это коллекция из 32 холстов (20 на 15 дюймов каждый) с нанесением синтетической полимерной краски на холст. Впервые Уорхол показал картину в галерее Ferus в Лос-Анджелесе, запустив дебют поп-арта на Западном побережье в 1962 году. Эта вопиющая коммерциалистическая работа разозлила сторонников абстрактного импрессионизма, который правил американским искусством с 1940-х годов. Из-за популярности банок с супом и других рекламных изображений Уорхола он стал самым известным художником поп-арта, поскольку его работы были самыми дорогими среди всех ныне живущих американских художников. К сожалению, до того, как в 1987 году Уорхолу сделали операцию на желчном пузыре, у него было предчувствие, что он не выйдет из больницы живым - и был прав!

Продолжаем ТОП современная живопись:

18. Женщина III (1953) Виллем де Кунинг

Виллем де Кунинг был художником голландского происхождения, который переехал в США в 1920-х годах и начал рисовать в 1928 году, делая в основном фигуративные работы. Но в 1940-х его живопись стала менее репрезентативной, особенно его черно-белые абстрактные работы. После Второй мировой войны де Кунинг и многие другие американские художники, такие как Джексон Поллок и Марк Ротко, основали Нью-Йоркскую школу абстрактного экспрессионизма. В начале 1950-х де Кунинг начал свою «Женскую серию», которая включала шесть картин женщин, каждая из которых демонстрирует влияние Пикассо - и «Женщина III», возможно, является лучшей из серии. В 2006 году «Женщина III» была продана за 137,5 миллиона долларов, что на то время стало четвертой по стоимости картиной из когда-либо проданных!

17. Я и деревня (1911) Марк Шагал

Возможно, величайший еврейский художник двадцатого века, Марк Шагал, обладал живописным стилем, который представлял собой смесь кубизма, символизма, фовизма и сюрреализма. Кроме того, он работал в самых разных художественных форматах: живопись, книжные иллюстрации, витражи, декорации, керамика, гобелены и репродукции изобразительного искусства. «Я и Деревня», как и многие картины Шагала, сложно описать. По словам одного ученого, картина - это «кубистическая сказка». Основанная на восточноевропейском фольклоре, русской и идишской культуре, картина сочетает в себе множество художественных элементов, которые противоречат законам гравитации, пропорций, размера и естественного цвета. Основываясь на детских воспоминаниях Шагала, можно задаться вопросом, не является ли Шагал зеленолицым человеком на картине. Между прочим, в 1950-х годах Пабло Пикассо заявил, что «когда Матисс умрет, Шагал останется единственным художником, который поймет, что такое цвет на самом деле». Шагал дожил до 97 лет.

16. Флаг (1955) Джаспер Джонс

Во время службы в армии США Джаспер Джонс начал мечтать об американском флаге, поэтому после того, как он оставил службу, он начал создавать произведения искусства, связанные с этим культовым изображением. В 1955 году Джонс создал мультимедийную картину под названием Flag, состоящую из энкаустики, масляной краски и коллажа на холсте, затем смонтированного на ткани и, наконец, на фанере. Все 48 штатов (Гавайи и Аляска еще не присоединились к союзу) не были идентичными, и полосы на флаге были сделаны из полос газетной бумаги, а затем покрыты красной или белой краской, причем большая часть газетной бумаги просвечивала сквозь них. Интересно, что творчество Джонса часто ассоциируется с неодадаизмом и поп-артом. А в 2014 году Флаг был продан на аукционе Sotheby’s за 36 миллионов долларов.

15. Модели (1888) Жорж Сёра.

Жорж Сёра был сторонником постимпрессионизма, французского художественного движения, которое развивалось с конца 1880-х до начала 1900-х годов и включало неоимпрессионизм, который более тесно отражал стиль живописи Сёра, и оба были включены в пуантилизм; То есть его нарисованные изображения состояли из крошечных цветных точек, похожих на точечную матричную печать. Удивительно, но «Модели» изображают трех девушек-моделей в состоянии раздетости, а на верхнем левом фоне картины - часть знаменитой картины Сёра «Воскресный полдень на острове Ла Гранд Жатт». Итак, The Models включает в себя два шедевра в одном. Кто это сделал? Жорж Сёра сделал!

14. Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем? (1897) Поль Гоген

Поль Гоген был бизнесменом до краха французской экономики в 1882 году. Затем он обратился к живописи, используя стиль пост-импрессии 1880-х годов. Попутно он отошел от импрессионизма и помог исследовать такие стили, как синтетизм, символизм и перегородчатость, все из которых отличались от импрессионизма, потому что они подчеркивали двумерные узоры без градаций цвета, которые придали картинам небольшую глубину или вовсе не придала им глубины или классики. перспектива. В 1890-х годах Гоген посетил Таити, а затем Маркизские острова, где он много лет жил с туземцами и женился на 13-летней девушке. Гоген создал множество картин этих полинезийцев, и лучшей из них была картина «Откуда мы пришли?», Которую он считал своим шедевром и последним художественным свидетельством. А потом, закончив, он попытался покончить жизнь самоубийством, но безуспешно и прожил до 1903 года.

13. Голконда (1953) Рене Магритт

Бельгийский сюрреалист Рене Магритт любил рисовать произведения, которые бросали вызов человеческому чувству реальности. Картины Магритта, часто изображающие обычные предметы и / или людей в необычной, невероятной или фантастической обстановке, отправляют вас в мечтательное путешествие в ваше собственное подсознание или, возможно, коллективное подсознание человечества, если такое существует. Голконда показывает жилую сцену зданий с красными крышами, над которыми видны падающие с неба многочисленные мужчины среднего возраста, одетые в пальто и шляпы-котелки (как Магритт часто изображал себя на картинах), или подвешенные в воздухе в виде сетки. . Являются ли эти мужчины отдельными лицами или несколькими лицами одного и того же человека? Любопытно, что мать Магритта покончила жизнь самоубийством, когда ему было 14 лет, и было высказано предположение, что его загадочные произведения искусства выходят из состояния, когда она жива - или мертва.

Продолжаем ТОП современная живопись:

12. Обед на лодке (1881) Пьер Огюст Рениор

Один из великих импрессионистов, Рениор любил рисовать хорошеньких женщин в красивых декорациях и часто демонстрировать степень женственной чувственности - традиция, восходящая к искусству Рубенса и Ватто. Вдохновленный работами Камиля Писсарро и Эдуарда Мане, Рениор был одним из художников, представивших свои картины на первой выставке импрессионистов в Париже в 1874 году. Обед на лодке показывает жизнь, какой она была в те безмятежные дни во Франции; на самом деле женщина, играющая с собакой слева, - это будущая жена Рениора, а остальные - его многочисленные друзья, в том числе художник Гюстав Кайботт (внизу справа). Рениор продолжал рисовать до старости, даже когда страдал ревматоидным артритом и анкилозом правого плеча. Интересно, что трое его сыновей стали художниками и режиссерами, особенно актер Жан Рениор (1894–1979).

Продолжаем ТОП современная живопись:

11. Распад постоянства памяти (1954) Сальвадор Дали

Безусловно, один из самых эксцентричных и самовлюбленных художников всех времен, Сальвадор Дали однажды сказал: «Я не странный. Я просто ненормальный ». Если оставить в стороне его грандиозное поведение, гению Дали как великого художника нет равных, особенно в том, что касается мастеров сюрреализма. Невозможно забыть удивительные и причудливые образы Дали. Трудно поверить, что они могли возникнуть из человеческого разума! В книге «Распад постоянства памяти» Дали, используя свою интерпретацию квантовой механики, деконструирует, возможно, свою самую известную работу «Постоянство памяти» (1931). Кто может сказать, лучше ли одна картина, чем другая? Интересно, что в 2017 году труп Дали был извлечен для анализа ДНК для урегулирования иска об установлении отцовства. Оказалось, что это не его ребенок! Кроме того, незадолго до своей смерти в 1989 году он сказал: «Когда вы гений, у вас нет права умирать, потому что мы необходимы для прогресса человечества».

10. Любовные объятия Вселенной (1949) Фрида Кало.

Несмотря на полиомиелит и серьезную травму в дорожно-транспортном происшествии в 18 лет, из-за которого она страдала от проблем со здоровьем всю оставшуюся жизнь, Фрида Кало сделала впечатляющую карьеру мексиканского художника-сюрреалиста (или магического реалиста, художников, использующих реализм с добавленными элементами фэнтези). . При жизни Кало не была хорошо известна как художник, а просто жена художника-монументалиста Диего Риверы, до 1970-х годов, то есть до тех пор, пока ее наследие не привлекло внимание чиканос, феминисток, движения ЛГБТК и коренных американцев. Теперь о ней написали книги! На картине Кало «Любовные объятия Вселенной» Кало изображена с Диего Риверой, как их обнимают Мексика, Земля и Вселенная. Часто мифологизируемый, хорошо это или плохо, Кало стал одним из самых признанных художников двадцатого века. Интересно, что в 2018 году Наблюдательный совет Сан-Франциско изменил название Phelan Avenue на Frida Kahlo Way.

9. Битва огней, Кони-Айленд (1914) Джозеф Стелла

Джозеф Стелла был итало-американцем, который специализировался на футуристической живописи в начале 1900-х годов. Затем он перешел к живописи в стиле прецизионизма в 1920-х и 30-х годах. Под влиянием кубизма и футуризма прецизионизм подчеркивал превращение Америки в современное индустриальное общество, выделяя впечатляющие мосты, небоскребы и фабрики. «Битва огней» на Кони-Айленде была одной из первых успешных картин американского футуризма. После этого Стелла стала известным художником на арт-сцене Нью-Йорка, хотя его работы вызвали много критики со стороны консервативных арт-критиков, которые находили произведения модернизма опасными и не поддающимися определению. Как бы то ни было, в конце 1930-х - начале 1940-х годов стиль живописи Стеллы стал более реалистичным и барочным, что не соответствовало модернистскому - а тем более авангардному - шаблону, поэтому мир искусства забыл о нем.

8. Завтрак на траве (1863) Эдуард Мане

Картины Эдуара Мане считаются неотъемлемой частью зарождения современного искусства в западной традиции. Мане, чьи работы преодолели разрыв между реализмом и импрессионизмом в 1860-х годах, начал свою художественную карьеру с копирования работ старых мастеров в Лувре в Париже. Обед на траве, пасторальная сцена, в которой изображены два полностью одетых мужчины и одна обнаженная женщина (женщина выглядит расслабленной и нарисованной схематично) вызывала споры в то время, что, возможно, объясняет, почему картина была отклонена Парижским салоном. когда он был впервые введен. Другой чрезвычайно влиятельной картиной, созданной Мане в том же году, была «Олимпия», на которой изображена полулежащая обнаженная проститутка, чей вызывающий взгляд приковывает внимание зрителя и значительно усиливает сексуальное напряжение в картине. Любопытно, что эта картина была принята Парижским салоном!

7. Full Fathom Five (1947) Джексон Поллок

Возможно, величайший художник абстрактного экспрессионизма, Джексон Поллок создал свои лучшие картины, используя так называемую экшн-живопись, технику, начатую в начале двадцатого века такими художниками, как Фрэнсис Пикабиа и Макс Эрнст, хотя Поллок наносил краску горизонтально, капая, разливая, разбрызгивая или распыление на то, что обычно было очень большим холстом. Возможно, величайшим периодом для Поллока создания капельных картин был период с 1947 по 1950 год. Многие из этих картин в конечном итоге были проданы за десятки миллионов долларов. Алкоголик, который часто оскорблял людей в нетрезвом виде, Поллок пытался использовать искусство, чтобы помочь ему протрезветь, но ему это не удавалось надолго: он умер в автокатастрофе из-за алкоголя в 1956 году, в возрасте 44 лет. Примечательно, что каталог, представляющий его драматический стиль, гласил: следующим образом: «Вулканический. В нем есть огонь. Это непредсказуемо. Это недисциплинировано. Он выливается из себя в виде еще не кристаллизованного минерала ».

6. Радость жизни (1905) Анри Матисс

Наряду с Пабло Пикассо Анри Матисс был одним из гигантов современного искусства двадцатого века; оба помогли продвинуть использование изобразительного искусства в начале 1900-х годов, особенно в отношении живописи и скульптуры. Примерно в 1900 году Матисс стал лидером фовистов (по-французски диких зверей), то есть художников, которые подчеркивали живописные ценности и смелое использование цвета, иногда диссонансным образом, и меньше полагались на репрезентацию или реализм. Фовизм просуществовал всего несколько лет, но Матисс нашел свою художественную нишу, хотя его, казалось бы, недисциплинированная живопись вызвала много критики. Тем не менее, с 1906 по 1917 год Матисс, возможно, создал свои лучшие картины, и «Радость жизни», безусловно, является примером его вершины. Интересно, что когда Матисс стал пожилым и страдал от проблем со здоровьем, он больше не мог рисовать, поэтому вместо этого использовал вырезки из бумаги - технику, известную как декупаж.

5. Герника (1937) Пабло Пикассо

Пабло Пикассо, известный в основном как кубист и сюрреалист, возможно, не был величайшим художником двадцатого века, но почти наверняка он был самым плодовитым. По оценкам, Пикассо, возможно, создал около 50 000 произведений искусства, в том числе 1885 картин, 1228 скульптур, 2880 керамических изделий, приблизительно 12 000 рисунков, многие тысячи гравюр и многочисленные гобелены и ковры. В любом случае, возможно, это не самая большая его картина, хотя почти наверняка самая известная. Герника изображает реакцию Пикассо на бомбардировку города Герника во время немецких и итальянских воздушных бомбардировок во время гражданской войны в Испании. Между прочим, Пикассо, большую часть жизни проживший во Франции, во время Второй мировой войны оставался в Париже. Пикассо часто беспокоило гестапо, которое любило обыскивать его квартиру. Однажды офицер нашел фотографию Герники и спросил Пикассо: «Ты это нарисовал?» И Пикассо ответил: «Нет, это так».

4. Даная (1907) Густав Климт

Австрийский художник Густав Климт писал в стиле символизма, который подчеркивал духовность и воображение, в отличие от реализма и натурализма. Климт был прежде всего художником-фигуратором, специализирующимся на обнаженных женских телах, часто изображаемых в откровенно эротической манере. В начале 1900-х «Золотая фаза» Климта была самой популярной, одобренной критиками и успешной в денежном отношении в его карьере. Интересно, что на большинстве этих картин использовалось сусальное золото. В то время чрезмерно сексуально некоторые из этих шедевров считались порнографическими. Даная изображает девушку из греческой мифологии, которую отец запер в башне, но ее посетил Зевс, а позже она родила Персея. Также нарисованная такими художниками, как Тициан и Рембрандт, Даная была символом божественной любви и превосходства. Кстати, Климт стал отцом как минимум 14 детей и умер во время эпидемии гриппа 1918 года; и его картина Адель Блох-Бауэр I была продана в 2006 году за 135 миллионов долларов.

3. Звездная ночь (1889) Винсент Ван Гог

Типичный измученный гений Винсент Ван Гог был голландским художником-постимпрессионистом, который всю свою жизнь страдал психическим заболеванием и умер молодым в возрасте 37 лет. Несмотря на молодость, когда он умер, он создал феноменальное количество произведений искусства - 2100 произведений искусства. их, из них 860 картин маслом. Также будучи бедным человеком, Ван Гог страдал от психоза, заблуждений и того, что можно было считать клинической депрессией. Когда он больше не мог жить со своими психическими проблемами, он выстрелил себе в грудь из револьвера и через два дня скончался. «Звездная ночь», безусловно, одна из лучших его картин, хотя было бы невозможно выбрать лучшую, не так ли? Использование Ван Гогом завихрений в этом ноктюрне, возможно, является его самым привлекательным аспектом. Неудивительно, что она стала одной из самых узнаваемых картин в истории художественного выражения. Кстати, яркий объект справа от кипариса - это планета Венера.

2. Ночные ястребы (1942) Эдвард Хоппер

Художник американского реализма, Эдвард Хоппер стал известен своей масляной живописью, хотя он также писал акварельными красками и стал гравером в гравюре по металлу. Живя как в сельской, так и в городской среде, прошло много лет, прежде чем Хоппер разработал свой собственный популярный стиль; в 1931 году было продано 30 картин. Безусловно, самая известная и влиятельная картина Хоппера - это «Ночные ястребы». Между прочим, сценой для «Ночных ястребов» была закусочная в Гринвич-Виллидж, снесенная много лет назад. Продемонстрированная в течение месяца в галерее, картина, наконец, была продана за 3000 долларов, хорошие деньги по тем временам. И, что особенно важно, в массовой культуре и искусстве сцена в закусочной часто используется как место, где мертвые рок-звезды или кинозвезды собираются выпить кофе (возможно, официант изображается как Элвис). Задыхание также повлияло на авторов и продюсеров пьес, фильмов, опер, романов, альбомов и музыкальных клипов. Если бы есть более знаковое изображение современной американской жизни, что бы это было?

Закрывает ТОП современная живопись:

1. Обнаженная, спускающаяся по лестнице № 2 (1912) Марсель Дюшан

В начале 1900-х Марсель Дюшан отверг так называемое искусство сетчатки глаза и вместо этого надеялся создать искусство, бросающее вызов уму. Сторонник кубизма, концептуального искусства и дадаизма в картине «Обнаженная, спускающаяся по лестнице № 2» изображает обнаженную женщину, спускающуюся по лестнице. С использованием наложенных элементов, напоминающих кинофильмы и хронофотографические образы, «Обнаженная» была впервые показана в Барселоне, Испания, в 1917 году. На выставке «Обнаженная натура» вместе с работами кубизма, фовизма и футуризма шокировала публику, идущую на шоу, хотя в конечном итоге она стала культовым произведением искусства. современное искусство.

Tags : современная живопись, современные картины, современные картины маслом, самые красивые картины маслом, современная живопись картины, современное искусство, картины, современная живопись маслом

Оставить комментарий

Заказать картину